Digital-Vídeo

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México.

Todo lo que requiera para sus vídeos

¿Qué esperas de un vídeo?
¡Que no se escapen los detalles, pero tampoco se pierda tiempo viendo horas y horas de vídeo hasta fastidiarse!

La importancia de un vídeo:

No olvide que los mejores momentos son para siempre
* Ver la esencia de sus eventos con imágenes y narración de lo más importante.
* Hacer un informe de calidad.
*Dejar un recuerdo permanente.
* Presentar hechos que queden en la mente de sus audiencias

¿Qué ofrecemos?

1. Elaboración y revisión del guión (historia)
2. Levantamiento de imágenes (en caso de que no las haya) con cámara digital 3CCD (calidad de televisión)
3. Producción del vídeo
4. Postproducción del vídeo con espectaculares efectos de audio y de vídeo, musicalización, llamativas transiciones, etc.
5. Elaboración de una pantalla de inicio autoejecutable con opciones de menú y para escoger escenas.
6. Entrega en DVD o cinta miniDV.
7. Versión comprimida (opcional) para Internet o para su celular.
8. Generación de un Blog para difusión del evento y para tener un recuerdo permanente del mismo con fotos y vídeo

Servicios para:
* Empresas privadas (eventos empresariales)
* Gobiernos estatales (informes y/o memorias)
* Gobiernos municipales (informes y/o memorias)
* Personas físicas (eventos sociales, bodas, bautizos, 15 años, etc.)

Presupuestos sin compromiso

Contacto:

Para obtener estos servicios comuníquese al 044 9991 83 20 64 (las 24 horas)
Correo electrónico: dajecapo@hotmail.com
En Mérida, Yucatán, México.

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México.

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México.

Vídeo para bodas

Vídeo para Bodas

Ayer, hace algunos años, la gente sólo recordaba en blanco y negro, y de manera estática (fotos) sus eventos importantes.

Hoy, la tecnología nos ofrece avances que nos permiten volver a vivir momentos felices e irrepetibles a todo color y en vídeo.

No deje pasar esta oportunidad. Contrate nuestros servicios de grabación de vídeos.

Servicios y precios.

Paquete 1

Grabación de una hora efectiva del evento, sin edición (permanencia en el evento hasta cuatro horas corridas)

Se entrega el máster en Mini DV (vídeo digital)

$1,000 (mil pesos)

Paquete 2

Grabación del evento durante cuatro horas de permanencia

Grabación con cámara 3CCD (calidad de televisión)

Títulos de inicio de presentación y de salida

Vaciado de imágenes musicalizadas y con cortes de audio original.

Entrega en DVD

Entrega de 50 fotos digitales

$2,500 (dos mil quinientos pesos)

Paquete 3

Grabación con cámara 3CCD (con calidad de televisión)

Títulos de inicio y de salida

Plecas y textos animados

Elaboración del guión (historia) del evento

Grabación del guión con locutor@ certificad@ AAA

Salida de imagen y sonidos digitales

Entrega de 50 fotos digitales

$5,000 (cinco mil pesos)

Paquete 4

Grabación con cámara 3CCD (con calidad de televisión)

Títulos de inicio y de salida

Plecas y textos animados

Elaboración del guión (historia) del evento

Grabación del guión con locutor@ certificad@ AAA

Efectos especiales de vídeo

Salida de imagen y sonidos digitales

Entrega de 50 fotos digitales

Entrega del video en DVD con cinco copias

Menú interactivo para escoger escenas (como en las películas comerciales)

Compresión y subida del vídeo a YouTube para compartir en línea.

OFERTA: generación gratuita de un blog (espacio en Internet) con todos los detalles del evento (incluyento el vídeo).

$8,000 (ocho mil pesos).

Entrega: a más tardar en dos semanas, contadas a partir de la fecha del evento.

Más información:

Lic. Daniel J. Carrillo Polanco

Maestro en comunicación

9991 83 20 64

dajecapo@hotmail.com

3er. Informe del Ayuntamiento de Sotuta 2004-2007

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México.

Producción de vídeo para los ayuntamientos

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México.

¿Por qué es necesario contar con un vídeo-documental?

Encabezar un ayuntamiento representa una oportunidad histórica que quizá sea irrepetible para muchos alcaldes (as) y funcionarios (as). Los alcaldes y las alcaldesas y sus equipos -regidores y directores- se esfuerzan todos los días por obtener logros para dejar obras y servicios que sean dignos de recordar. Muchos alcanzan esos logros pero que al paso del tiempo esos logros y éxitos se van quedando en el olvido. Cierto que las obras se quedan, pero las próximas generaciones no sabrán quienes las hicieron.

También es cierto que la historia se queda en documentos como actas de las sesiones de cabildo, licitaciones, fotografías y cientos y hasta quizá miles de papeles que dejan constancia del trabajo realizado durante tres años.

Pero ¿Quién se tomaría la molestia de recopilar toda esa información? ¿Cómo presentarla a la gente de un modo que la entienda? NADIE. Se trata de registros oficiales que no están al alcance de la gran mayoría de los ciudadanos del presente y del futuro.

También, probablemente, existan fotografías y, menos probablemente, grabaciones en vídeo. Sin embargo, nadie se sentaría a revisar cientos o miles fotos y menos sentarse a ver decenas de horas de vídeo.

También existen notas periodísticas que de alguna manera dejan constancia de lo que se hace en los municipios. Sin embargo, por lo general las notas publicadas sin en sentido negativo y muy podo hablan de los logros. Incluso, la mayor parte de las veces se hacen cosas importantes que pasan desapercibidas por las páginas de los periódicos.

En todos los casos se trata de información generada durante tres largos años de trabajo que, por no estar a la mano de la gente, o por estar muy dispersa o por ser exageradamente densa, jamás será usada (consumida) muy pronto se quedará en el olvido.

¿Alguien se acuerda de lo que hizo Ticul en la administración pasada? Quizá el alcalde actual pueda contestar porque el tiene la información a la mano. Pero, el mismo ¿Podría decir qué hizo el ayuntamiento de Ticul hace 20 años? La respuesta será NO, y en el mejor de los casos la respuesta sería con mucha imprecisión. ¿Quién se daría a la tarea de buscar los archivos oficiales o notas periodísticas para despejar esta duda? NADIE.

Es aquí donde vemos la importancia de los vídeo-documentales: La comunicación debe darse mediante instrumentos que permitan digerir la información con el menor esfuerzo posible.

Tres años de esfuerzos pueden ser sintetizados en un vídeo-documental de 12 o 15 minutos: Se trata de una narración -en términos que todos puedan entender- de la esencia de la administración municipal.
a) Como se inició
b) Qué obras se hicieron y porqué se hicieron
c) Las dificultades, si las hubo, para hacer esas obras o prestar los servicios
d) Las inversiones ejercidas
e) Los 5 o 10 principales logros obtenidos
f) El o los principales casos de éxito
g) El contraste en lo que existía y lo que ahora existe
h) Inclusión de la ciudadanía
i) Testimonio de los beneficiados con las obras y los servicios
j) La relación con la sociedad, etc.

VENTAJAS:
Se deja una pieza documental que hará historia para toda la vida
Se deja un legado de información de fácil acceso para las futuras administraciones (ya no más borrón del trabajo hecho).
Se comienzan a generar videotecas para la consulta de ciudadanos y hasta de investigadores.
Se obtienen documentos que son mucho más fáciles de entender y de consumir (no es lo mismo ver y escuchar imágenes que tener que acudir a una hemeroteca o revisar cientos de archivos para conocer un dato relevante de un gobierno)
Constituye un ejercicio de transparencia.
El alcalde o alcadesa y todos sus colaboradores podrán tener copia para recodar su trabajo.
Existen fundaciones nacionales e internaciones que premian a las organizaciones o autoridades que se preocupan y se ocupan de generar historia.

¿Que incluye el servicio?
Revisión del guión o historia que será narrada (descripción general de la esencia de lo ocurrido durante de gestión)
Supervisión para que ese guión sea entendible y lleve el mensaje político indispensable sobre la administración.
Grabación del vídeo con locutor (a) certificado (a) AAA
Levantamiento de imágenes con Cámara Digital 3CCD (calidad de televisión)
Entrevistas de la gente que de testimonios
Entrevista al alcalde o alcaldesa para que de un mensaje
Producción del vídeo en computadora (Edición en Adobe Premiere Pro 2.0)
Postproducción con efectos espectaculares de vídeo y de audio.
Grabación en DVD con pantalla de inicio para escoger menú de escenas o irse directamente a la película.
Como servicio adicional: Todos los vídeos pueden ser comprimidos para ser subidos a la Internet o para ponerse en los teléfonos.

El costo por vídeo es de $15,000 más IVA
Sin embargo, como promoción se ofrece a $12,000 más IVA.
Si más de cinco aceptan el servicio entonces queda en $10,000 más IVA.
IMPORTANTE. Un cuarto de plana en el periódico cuesta casi lo mismo y su vigencia es de un solo día. El vídeo documental es para toda la vida. No es un gasto es una inversión.
IMPORTANTE. Los vídeo de muy bajo presupuesto no tienen guión (sólo son musicalizados) o si lo tienen no contienen el impacto político deseado, además de que la calidad de las imágenes y del audio es dudosa.
Si van a dejar algo para la historia que sea de buena calidad.
Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México.

Para obtener estos servicios contacto con:
Lic. Daniel Jesús Carrillo Polanco
Master en Comunicación Política por las Universidades Pompeu Fabra de Barcelona, España, y la Modelo, de Mérida, Yucatán.
Tel. celular 9991 83 20 64
Correo electrónico: dajecapo@hotmail.com


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Vídeo filmaciones en Mérida

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México

Todo lo que requiera para sus vídeo-filmaciones

Vídeo Documental

Descripción puntual y detallada de en evento. ¡Que no se escapen los detalles, pero tampoco pierda tiempo viendo horas y horas de vídeo!

Esta es la solución.Ventajas:

* Vea la esencia de sus eventos con la narráción de lo más importante.* Haga un informe de calidad
* Deje un recuerdo permenente de sus actividades o de sus eventos sociales.
* Presente hechos que queden en la mente de sus audiencias

¿Qué ofrecemos?
1. Elaboración y revisión del guión (historia)
2. Levantamiento de imágenes (en caso de que no las haya) con cámara profesional digital 3CCD (calidad de televisión)
3. Producción del vídeo
4. Postproducción del vídeo con espectaculares efectos de audio y vídeo, musicalización, trasnsiciones personalizadas, etc.
5. Elaboración de una pantalla de inicio autoejecutable con opción de menú para escoger escenas.
6. Entrega en DVD.
7. Versión comprimida para Internet o para su celular.
8. Salvapantallas (opcional) personalizada del evento.

Servicios dirigidos a:

* Empresas privadas
* Gobiernos estatales
* Gobiernos municipales
* Personas físicas (eventos sociales, bodas, bautizos, 15 años, etc.)

Contacto:Para obtener estos servicios comuníquese con el Lic. Daniel Jesús Carrillo Polanco
Maestro en Comunicación por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, España.
Celular 9991 83 20 64 (las 24 horas).
Correo electrónico: dajecapo@hotmail.com y dajecapo@gmail.com
Mérida, Yucatán, México.

Vídeo filmación de un bautizo

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México

Bienvenidos al Reino de Dios

El sacramento del bautizo como la primera comunión y la unión religiosa, sólo ocurre una vez en la vida y por tanto ¿vale o no vale la pena dejar un recuerdo para toda la vida con vídeo filmación?

Más allá del festejo, que desde luego para todos es importante, la vídeo filmación del bautizo debe contener todos los significados del mismo: la unción, la ropa blanca, el vertido del agua tres veces, el encendido de las velas a cargo de los padrinos… Son momentos que deben quedar para siempre en la mente de los familiares y de los amigos.

¿Cómo lograrlo? La vídeo filmación es la respuesta. Un vídeo documental debe contener esa narración vestida de numerosas imágenes.

El vídeo documental deberá contener información, además de todos los significados del sacramento, sobre lo siguiente: donde fue la misa, quien la ofició, cómo estaba adornada la iglesia, cuánta gente asistió, quienes fueron los invitados de honor, quienes fueron los padrinos, a que ahora comenzó, a qué hora terminó, etc.

Desde luego, en la vídeo filmación o vídeo documental también se describirá dónde fue la fiesta, quiénes fueron los padrinos, que fue lo que se ofreció para comer, descripción del vestido del (a) bautizado (a), los regalos que recibió, descripción del local, el pastel, etc.

Una vídeo filmación o vídeo documental bien elaborado, de manera dinámica (implica abundancia de imágenes), puede ser visto cuantas veces uno quiera sin que uno se fastidie. Entonces una vídeo filmación hecha de esta manera permitirá un doble efecto: diversión familiar y aprendizaje sobre todos los significados del bautizmo que VIENE A SER LO MÁS IMPORTANTE DEL EVENTO.

Póngase en manos de profesionales: DigitalVídeo una empresa de Mérida, Yucatán, México, está dedicada a la vídeo filmación, producción y postproducción de vídeos dará un sentido real a sus eventos, entre ellos, al sacramento del bautizo

Recuerde que con DigitalVídeo las imágenes dicen más que las palabras.

Para mayores informes sobre las vídeo filmaciones o vídeo documentales para eventos, fiestas, informes, presentaciones, contacte:
Lic. Daniel Jesús Carrillo Polanco
Maestro en Comunicación y Marketing por la Universidad Pompeu Fabra de España
Teléfono celular: 9991 83 20 64
Correo electrónico: dajecapo@hotmail.com y dajecapo@gmail.com
Mérida, Yucatán, México.

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Vídeos institucionales para gobiernos

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¿Por qué son importantes las vídeos filmaciones institucionales?

Como todos sabemos, una autoridad municipal o una estatal durante en sus cargos tres y seis años respectivamente.

Durante esos lapsos sus oficinas de comunicación, cuando las tienen, hacen tomas de vídeo o hacen vídeo filmaciones de cada uno de los eventos que se llevan al cabo. Así, durante los tres o seis años del encargo, se acumula una enorme cantidad de información que seguramente será tirada a la basura o se la llevará el funcionario saliente que jamás podrá ver ya que tendría que invertir decenas de horas para lograrlo.

De nada sirve tener cientos de casetes de vídeo filmaciones o de DVD´s o cientos de casetes de audio o CD´s, si finalmente no servirán para nada.

Es menester que una autoridad deje constancia de lo que está haciendo para que no se olvide y para que la autoridad entrante tenga una idea clara de qué es lo que recibe para continuarlo, mejorarlo o desecharlo, según el caso. Pero esta tarea hay que hacerla de una manera ordenada y profesional.

La experiencia ha demostrado que por lo general las oficinas de comunicación hacen tomas fijas que no sirven de mucho para la edición de un vídeo documental. Por ejemplo, en un evento se coloca la cámara enfocada a un presidium y así se queda durante todo el tiempo que dure sin tener aspectos o detalles del ambiente y de las personas que participan.

A la hora de editar el vídeo, la oficina de Comunicación no cuenta con el material apropiado y es imposible producir un vídeo institucional. Y lo pasado ya es pasado y, por tanto, es irrecuperable.

¡Sería absurdo pensar que para recuperar unas imágenes se tuviera que volver a citar a las mismas personalidades, que se simule un registro de asistencia o un recorrido a obras realizadas. Algunas tomas sí podrían recuperarse, pero otras definitivamente no. Entonces viene la frustración ¡cómo es posible que no tengamos esas imágenes!

Si cada mes se hiciera este ejercicio de tener el debido cuidado de editar un vídeo de los eventos más importantes, cuando su gestión termine contará con todas las evidencias y las podrá presentar de una manera fácil, accesible y digerible.

Cuando llega una nueva administración la primera tendencia es desechar toda la información “que ya no sirve para nada” sin darse cuenta que están tirando a la basura tres o seis años de historia de un municipio o de un estado. Pero esto ocurre a consecuencia de que se deja tanta información que lo más práctico sería deshacerse de ella.

En cambio, si se dejara un colección mensual o semestral de una manera oficial, y sin que ocupen tanto espacio, será difícil que la administración entrante se deshaga de esa información. Esas memorias las conservarían todos los funcionarios e irían a parar en alguna videoteca.

Por ejemplo, si se trata de un evento importante como lo es la presentación del Programa de Desarrollo, el guión del vídeo describirá dónde ocurrió el evento, quienes asistieron al mismo, quienes integraron el presidium, porque se hizo, señalar las ventajas más importantes que trae consigo ese programa, el tiempo que duró el evento, las personalidades que asistieron (altos funcionarios o prominentes empresarios), síntesis de cada una de las intervenciones, etc.

Si fuera un resumen mensual entonces el guión tendría que ser mucho más genérico, pero aún así se requerirían cientos de imágenes. No hay que perder de vista que un vídeo documental tiene que ser dinámico y por lo mismo una misma imagen no debe durar más allá de los tres o cuatro segundos, además de que tienen que ser tomadas desde diferentes ángulos y distancias para dar un sentido a las transiciones.

En un vídeo documental con un guión bien elaborado (que contenga la esencia de lo que se debe dejar a la posteridad) se puede resumir en 15 o 20 minutos ¡todo lo ocurrido en un año! Se trata de que quien vea el vídeo se quede con una idea clara y precisa de lo que se hizo en una administración.

¡Este es el objetivo del vídeo documental! Sería un error abrumar a la gente con tanta información y sobre todo con tantas horas de vídeo que resultan aburridos y cansados, incluso para los propios protagonistas.

Estos servicios los puede obtener en vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México. DigitalVídeo es una empresa con experiencia en la elaboración de los vídeo documentales con fines institucionales.

Contacto:
Lic. Daniel Jesús Carrillo Polanco
Correo electrónico: dajecapo@hotmail.com
Celular. 9991 83 20 64
Mérida, Yucatán, México.

Vídeo filmaciones en Mérida

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Todo lo que requiera para sus vídeos

Vídeo-Documental

Descripción puntual y detallada de en evento. ¡Que no se escapen los detalles, pero tampoco pierda tiempo viendo horas y horas de vídeo! Esta es la solución.Ventajas:

* Vea la esencia de sus eventos con la narráción de lo más importante.
* Haga un informe de calidad* Deje un recuerdo permenente de sus actividades.
* Presente hechos que queden en la mente de sus audienciasVídeo ClipSus eventos musicales editados de acuerdo con sus necesidades y sus intereses.

¿Qué ofrecemos?

1. Elaboración y revisión del guión (historia)
2. Levantamiento de imágenes (en caso de que no las haya) con cámara digital 3CCD (calidad de televisión)
3. Producción del vídeo
4. Postproducción del vídeo con espectaculares efectos de audio y vídeo, musicalización, trasnsiciones personalizadas, etc.
5. Elaboración de una pantalla de inicio autoejecutable con opción de menú para escoger escenas.
6. Entrega en DVD.
7. Versión comprimida para Internet o para su celular.
8. Salvapantallas (opcional) personalizada del evento.

Servicios para:
* Empresas privadas
* Gobiernos estatales
* Gobiernos municipales
* Personas físicas (eventos sociales, bodas, bautizos, 15 años, etc.)

Contacto:Para obtener estos servicios comuníquese con el Lic. Daniel Jesús Carrillo PolancoMaestro en Comunicación por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, España.
Celular 9991 83 20 64 (las 24 horas).
Correo electrónico: dajecapo@hotmail.com
En Mérida, Yucatán, México.

El mejor regalo para unos novios

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México.

Ya estaba muy cerca la fecha tan anhelada. Cristina, novia de Alejandro, se sentía un tanto más nerviosa. Todos los preparativos ya estaban avanzados y prácticamente sólo faltaba el detalle de la video filmación.

¡Cómo se nos pudo pasar! Exclamó la joven de 27 años de edad. Le habló a su novio y ambos se pusieron de acuerdo en que este gasto de la vídeo filmación fuera apadrinado por Francisco, uno de los hermanos de Cristina.

El ofreció apoyarnos y pues vamos a tomarle la palabra, expresó Cristina.

Es buena idea -señaló Alejandro-, platícalo con él y me dices luego.

Ni tardo ni perezoza la mujer marcó a la oficina de su hermano y por suerte de inmediato lo contactó. Tras explicarle la situación, Francisco accedió de buena gana apoyar a su hermana en el gasto de la vídeo filmación.

Considerando que sólo faltaban cinco días para el evento, Francisco se dio a la tarea de investigar que empresa de vídeo filmación convendría contratar.

¡Me lleva! No me trajeron hoy el periódico. ¡Ya sé! De seguro que en la Internet deben existir personas que anuncien sus servicios. A ver, a ver… abrimos Google y tecleamos “vídeo filmaciones”…

Al desplegarse los primeros resultados, Francisco se percató que en efecto había muchas empresas que daban sus servicios de vídeo filmación pero con un detalle ¡todas eran foráneas! y ni modos que las llame para que vengan desde Querétaro o del D.F., ya que tendría que pagarles pasajes y viáticos.

Mmmm… creo que hay que completar la búsqueda… Entonces escribió “Vídeo filmaciones en Mérida” y para su fortuna de inmediato se desplegó en primero término Guía México.

Ahí fue como se enteró de DigitalVídeo con la que pudo contactar vía Internet y de inmediato llegó a un acuerdo. Tras constatar la seriedad en el trato, contrató los servicios.

El día del evento ahí estaban los camarógrafos cumpliendo con su encomienda con un trato amable y atencioso.

El producto final, entregado en los tiempos acordados, fue un vídeo documental que consistió en la narración detallada de todo lo que ocurrió en el evento.

¡Qué padre! No se escapó detalle alguno sobre el significado del sacramento, la esencia de lo que fue la misa, quienes fueron los invitados, el vestido de la novia, la decoración de la Iglesia y de la Sala de Fiestas, los regalos recibidos y todo lo que se debió describir. Fue un servicio de DigitalVídeo ¡Imágenes que dicen más que las palabras!

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El Vídeo educativo

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México

La utilización del vídeo didáctico en un centro educativo no es ver tv. Debería poseer una presencia más motivadora y activa en los estudiantes. Más como medio de comunicación que como transmisor de contenidos. El material de la tv. es un mensaje construido para ser visto en la tv., por lo tanto, la práctica del vídeo en el aula frecuentemente consiste en ver tv. Una grabación de la tv. en vídeo para que sea didáctico necesita de una preparación previa, precedido de explicaciones claras sobre lo que se pretende con ese vídeo, qué se evalúa, con ejercicios y actividades antes, durante y después de su visionado.

Este tipo de características no lo poseen los video que obtenemos dela tv., dado que los documentales y demás programas no están diseñados para ser insertado en un proceso de enseñanza y aprendizaje. Sin duda, son potencialmente educativos -por sus contenidos, calidad,...-, y sólo necesitan que hagamos un tratamiento pedagógico.

Para nosotros la principal característica del vídeo didáctico es que esté diseñado, producido, experimentado y evaluado para ser insertado en un proceso concreto de enseñanza-aprendizaje de forma creativa y dinámica. Por tal razón, nosotros distinguimos tres tipos de vídeos: vídeos extraídos de la tv. con un tratamiento pedagógico por el enseñante, vídeos educativos comerciales y otros vídeos realizados por los estudiantes o por el profesorado.

Tipos de vídeos: según objetivos y según guiones
El uso de este recurso debe estar orientado o determinado con nuestros objetivos de enseñanza, por lo tanto, pueden existir una considerable diversidad de objetivos. Por ejemplo: Comunicar experiencias, trasmitir información básica, sensibilizar sobre un tema o una situación, motivar para un aprendizaje, facilitar la memorización de unos contenidos, facilitar la comprensión de un proceso, facilitar el aprendizaje por imitación de modelos visuales y/o sonoros, suscitar determinadas actitudes, evaluar conocimientos y/o actitudes, facilitar la expresión o la creatividad, despertar el interés por un trabajo de investigación, provocar el debate sobre un tema, etc.

Estos ejemplos determinan en esencia las funciones generales del vídeo en la enseñanza, veamos básicamente cuáles son:

-Función formativa de enseñantes.
El vídeo se utiliza como instrumentos para la formación de enseñantes. Existen diversas técnicas y procedimientos (inoculación del estrés, vídeos con ejemplificaciones y modelos específicos de enseñanza,..), quizás el más conocido haya sido el circuito cerrado de televisión, donde una vez grabada nuestra actuación podemos con posterioridad o durante la misma, realizar diversos análisis sobre los procesos. También son conocidos los trabajos en grupos de profesores, donde tras la observaciones de las clases grabadas, analizan sus actuaciones, valoran los modelos, comparten significados y lenguajes pedagógicos, etc.

-Función evaluativa ("El vídeo espejo").
Igual que el anterior, sólo que, desarrollado hacia otras actividades profesionales como modificar conductas en E. física., logopedia,...

-Función informativa.
Es posible que sea la función más usada en la enseñanza, quizás por la cantidad de material disponible de la mayor empresa videográfica, como son las cadenas de tv. El texto suele poseer una estructura narrativa -video documentación-, a la que nosotros deberemos extraer una ficha para su explotación didáctica (protocolo de cuestiones, mapa semántico o mapa conceptual, metodología para antes, durante y después, etc.), rompiendo de esta forma una comunicación expositiva, informativa y unidireccional, por una comunicación más transversal, interpretativa y bidireccional entre los asistentes.

-Función Motivadora.
Muchos de los materiales videográficos, por sus características audiovisuales, suelen atraer especialmente la atención y despertar diversos estados de emoción. La emoción es fundamental para establecer un proceso de acercamiento y de producción del conocimiento. Predispone de una actitud positiva hacia la comunicación que podemos establecer posteriormente en clase. Por tal razón, podemos utilizar una secuencia de vídeo para adentrarnos en un tema, favorecer el debate y el análisis. Lo único que deberemos tener en cuenta es el tiempo de exposición.

Recomendamos que entre 10 y 30 minutos puede ser suficiente para persuadirnos e impresionarnos, más tiempo corremos el peligro de que se produzca la conocida sensación de cansancio, a la que nadie quiere ni comentar nada.

-Función Expresiva, creativa, lúdica y artística (El video-arte).
El vídeo es un instrumento que nos permite elaborar productos que transmiten conocimientos con un lenguaje expresivo y creativo. Algunas de las enseñanzas, como la didáctica de la lengua, de la expresión plástica, diseño gráfico,..., utilizan este recurso como forma de expresión de sus contenidos. Con ello, nos referimos a vídeo producidos por los estudiantes donde se abordan contenidos poéticos, formas narrativas,... apoyadose en imágenes y música.

-Función investigadora de procesos naturales o sociales.
La tecnología del vídeo, como instrumento que recoge momentos y datos audiovisuales, pueden utilizarse para establecer protocolos de análisis y observación en diversas disciplinas sociales (psicología, sociología, educación, historia, derecho, antropología visual,...). Igualmente, la congelación de imágenes, la relentización de procesos y cambios, la recogida de pruebas y muestras audiovisuales,... son fundamentales para muchas otras disciplinas del área de las ciencias y la tecnología (biología, ecología, geología, medicina,...). Muchos de estos documentos y secuencias una vez digitalizados, pueden tratarse estadísticamente, crear bases de datos, desarrollar análisis de datos referenciales o cualitativos, etc.

-Función comunicativa.
Los procesos de enseñanza y aprendizaje suelen realizarse en un marco comunicativo, donde la tecnología del vídeo puede servir para mejorar este sistema de comunicación en el aula. Aqúi esta tecnología puede funcionar como soporte de almacén de datos y materiales de interés, como herramienta para exponer ideas, comunicar y analizar proyectos realizados por los alumnos, etc.

Muchas de estas posibilidades podemos desarrollarla bajo distintos estrategias. A continuación expondremos algunas de las posibles.
a) Dinámicas generadas y organizadas por el profesor.
Estrategia 1. Según el tiempo de una clase estableceremos una proporción que podría ser:
Primero. Vídeo de 5 minutos que pretende: Introducción del tema, abierto en ideas, motivador, más bien establece cuestiones, permite la realización de un indice al final y la creación de pre-mapa semántico (síntesis de ideas y conceptos relacionados bajo una estructura relacional).
Segundo. Profesor 15 a 20’ retoma las cuestiones, desarrolla a partir de allí, enumera los problemas, etc.
Tercero. Vídeo de 5 minutos; Refuerzo de lo dicho por el profesor, nuevas cuestiones o ahondando en el tema, dando información complementaria, complejizando más el mapa semántico, mostrando algunas soluciones, etc.
Cuarto. Dinámica de 15 a 20’; Resolución de problemas, repaso, ideas claves para memorizar y conclusiones.
Estrategia 2.
Primero: Vídeo de 10’
Segundo: Tras un debate, el profesor procura obtener todos los contenidos y cuestiones desde los propios alumnos sin dar su opinión y ayudado por una dinámica de grupo.
Tercero: Discurso del profesor. Retoma del vídeo y lo contrasta con las opiniones y la discusión de los alumnos.
Estrategia 3.
Profesor expone de 10 a 20’ al mismo tiempo que hay imágenes más música, algo así como un video clips, sólo que el texto lo expone el profesor procurando que las imágenes tengan relación con lo que se está tratando.
Estrategia 4.
Se procura crear un debate a través de una dinámica de grupo -lectura de una noticia, narración de un hecho, exposición de evidencias sobre un tema,...-, después el vídeo se expone un vídeo que permite aclarar el debate, complementar con más información la evidencia expuesta, refutar los posibles prejuicios o conjeturas apresuradas...Y por último el debate que cierra el tema.
Estrategia 5.
Primero: Cuestiones dadas por el profesor.
Segundo: Vídeo que responde, contradice, expone más dudas,...
Tercero: Discusión y debate.
Estrategia 6.
Primero: Visionado de un vídeo dando pausas y realizando preguntas como: ¿qué pasará?, ¿qué sustenta esta teoría?,...
Tercero: Después se realiza una dinámica de clase para recoger más opiniones, argumentar las respuestas,...
Cuarto: Por último, el vídeo responde a las primeras cuestiones.
Estrategia 7.
Se visiona el vídeo y se tiene que levantar la mano para: encontrar el concepto equivocado, señalar el animal descrito previamente, explicar el proceso o el razonamiento lógico analizado, lenguaje específico trabajo hasta el momento, etc.
Estrategia 8.
Se pasa la voz en off del vídeo a texto escrito y se le entrega a los alumnos antes de su visionado, tras lo cual, se realiza una dinámica y se presenta el vídeo con alguna de las estrategias anteriores.
Estrategia 9.
Pasar texto a papel y combinar con otras imágenes, música, etc.
Utilizar sólo las imágenes y poner otro texto en off, etc.
b) Utilización activa del vídeo por los estudiantes.
La realización del vídeo por los alumnos conlleva las mismas fases que una producción profesional, sólo que aquí, no atendemos tanto a la calidad del producto final, sino, más bien, a los procesos. De ahí que debemos tener muy claro cuáles son estos procesos para aprovecharlos y realizar un aprendizaje significativo.

Documentalismo.
Partiendo de aquel mapa anterior, y una vez que tenemos claro un objetivo, nos encontramos con la necesidad de buscar mayor información detallada y precisa sobre el tema. La búsqueda de estas necesidades pueden estar repartidas por grupos de alumnos, y en función de los elementos o partes de que consta el guión técnico. Es decir, éstos pueden dividirse en los siguientes sub-grupos de trabajo:
a) Audio: Un grupo se puede dedicar a recoger sonidos y efectos especiales (sonidos de olas, aves, etc.). Además, deberá estudiar los tipos de músicas del mercado que pueden dar significado al guión.
b) Texto. Un segundo grupo puede encargarse de recoger distintas informaciones sobre el tema (cuentos, versos, datos científicos, datos históricos, etc.), confeccionar un texto-borrador para debatirlo en el equipo, y tar las locuciones, las preguntas y las entrevistas del guión final.
c) Imagen. Un tercer grupo se dedicará a recoger imágenes, carteles, fotografías, dibujos, cómics, fotos de revistas y libros, etc. que sean de interés y susceptible de pasar a vídeo. Otro grupo o dentro de este mismo, deberá realizar fotografías o diapositivas del lugar, estudiar los escenarios, los encuadres, ... para las posteriores tomas de cámara.

Guionización.
Llegados hasta aquí, sólo conocemos algunos objetivos generales del proyecto, disponemos de imágenes, informaciones, sonidos,...; sin embargo, aún no hemos decidido algunas cuestiones y preguntas técnicas. Por ejemplo, ¿qué tipo de guión?, ¿cuánto debe durar el vídeo?, ¿cuál va a ser el orden de los contenidos?, ¿con qué recursos técnicos vamos a reforzar la idea de..?, etc. Es decir, debemos configurar el guión técnico y planificar las necesidades de producción en un mapa de trabajo, donde figuren los días de salidas, los lugares, las personas encargadas, los detalles y los equipos a llevar, etc.

Producción.
La fase de producción no está siempre cerrada o prefijada totalmente con antelación. Como en la fase anterior, ésta queda algo abierta para permitir una retroalimentación que favorezca un producto final más evaluado y depurado. Esta fase tiene como única misión, realizar las prácticas de cámara con tomas de estudio o de campo. Para ello, se puede dividir al grupo en varios papeles: dirección, cámara, ayudante de cámara, script y VTR.

La edición.
La edición se puede realizan pasando las imágenes de la cámara al vídeo de mesa, procurando que vayan solapadas unas tras otras según el tiempo que dura nuestra banda sonora. Es recomendable introducir el sonido una vez terminado el montaje de imágenes.

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México

Descubriendo los tipos de vídeo

Vídeo filmaciones en Mérida, Yucatán, México

Cada vez más el mercado de los videos huyen de la estandarización, cada marca opta por su propio formato de vídeo, por lo que es posible que en una PC se dispongan de una decena de vídeos en formatos diferentes. Pero, ¿cuáles son los formatos más importantes?

FLVEl Flash Video, desarrollado por Macromedia, era un formato completamente desconocido hasta hace apenas un año. Con la ascensión de YouTube, ascendió el FLV, pues es el formato utilizado en todos los vídeos de páginas web.
El FLV es un formato que ofrece al usuario vídeos muy comprimidos, por lo que su tamaño es mucho menor que el de sus competidores. Por eso, la mayoría de vídeos en este formato no son de tanta calidad como en sus competidores, además que dispone de una mala gestión de archivos, incluso para los buenos reproductores.MOVQuicktime era el reproductor con el que Apple pretendía competir con Windows Media, el reproductor de Microsoft.
La polivalencia del mismo aparece reproducida tanto en el iTunes, donde se puede comprar y vender canciones como ripear (extraer audio) de CDS, como en la popular reproducción de tráilers de la web de Apple.El MOV sigue una línea parecida al FLV. Aunque el MOV era un formato existente, con la llegada de los primeros iPods al mercado, su utilización ha ido ascendiendo de forma bastante rápida.

Además, cuando el consorcio Moving Picture Expertos Group (MPEG) eligió las especificaciones del MOV como la nueva versión códec de MPEG, el MPEG-4, ganó aún más popularidad.

MPEG Quizás el más conocido de todos, éste formato no es sólo utilizado como video digital, sino que también se utiliza en los DVD, en los sistemas de trasmisión de TV digital en alta definición y TV por cable. Pionero en el video por internet, con más de diez años a las espaldas, fue el primer formato utilizado en la red. Además es famoso por llevar las siglas del consorcio que representa (Moving Picture Experts Group).

Aunque se utiliza como base para los diferentes formatos, el MPEG también puede ser utilizado para ofrecer videos en patrón propio en Internet, sobre todo en obras de corta duración.

AVI El Audio Video Interleave fue presentado por Microsoft en la primera mitad de la década de los 90 como una alternativa viable de distribución online de video. Aunque recibe muchas críticas por sus retrasos tecnológicos el AVI es el formato más utilizado en las redes peer to peer (eMule, Bittorrent etc.).

En su contra, se encuentra la falta de soporte de las funciones avanzadas, como interactividad y mayor compresión, que venían en el codec MPEG-4. Aún así es el formato más popular actualmente, muy por encima del MOV o FLV, gracias al códec DivX que ofrece una mayor calidad de reproducción de vídeo.

3GP El formato quizás más desconocido para el gran público, aunque uno de los más utilizados.
¿Qué formato de video es el 3GP? Pues se trata del formato con el que graban los celulares Motorola, Nokia, Samsung, LG y Panasonic.El 3GP se trata del patrón de video en móviles y smartphones que dispongan cámaras. Existen versiones para redes GSM (3GPP) como para CDMA (3GPP2) y deriva del códec MPEG-4. Cabe destacar que el 3GP no dispone de la calidad del formato, aunque ya permite grabar con una resolución muy próxima a las cintas VHS.

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Contacto:
Para obtener estos servicios comuníquese con el Lic. Daniel Jesús Carrillo Polanco
Maestro en Comunicación por la Universidad Pompeu Fabra de Barcelona, España.
Celular 9991 83 20 64 (las 24 horas).
Correo electrónico: dajecapo@hotmail.com
En Mérida, Yucatán, México.

Todo lo que debes saber sobre el Vídeo Clip

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DigitalVideo

CAPÍTULO I

EL VIDEO

El videoclip musical, aunque en la actualidad se realice con cámaras y material cinematográfico, surge -junto con el videoarte- como alternativas a partir del desarrollo de la televisión.

1.1 Desarrollo de la televisión hasta la aparición del video
La televisión surge del descubrimiento de las propiedades fotoeléctricas del selenio en 1873; lo que permitió a Carey idear, en 1875, un ojo eléctrico constituido por múltiples células de selenio, que no llegó a realizar. La suposición inicial de Carey es que en este ojo se debería formar la imagen real del objeto la cual se transmitiría automáticamente al receptor formado por lámparas eléctricas minúsculas conectadas a las células de selenio del mencionado ojo. Muchos realizaron varios esfuerzos hacia la causa como Lenoir con su reproducción de fotografía, Nipkov con la invención de su disco perforado, Rignoux y Fournier con el uso de un mosaico de selenio. Hasta que en 1923 el ruso Vladimir Kosma Zworkin - o Xwarykin- patenta uno de los más directos antecedentes de la tv catódica: el iconoscopio.
El iconoscopio es un tipo especial de tubo que permite eliminar el proceso mecánico del disco inventado anteriormente por Nipkov. Pero fue hasta 1933 cuando la Radio Corporation of America (RCA) comercializa su primer modelo de televisión que era un aparato de uso privado para su nueva creación, la National Broadcasting Corporation (NBC) que se convertiría en uno de los más grandes sistemas televisivos en EE.UU.; seguida en poco tiempo por la Columbia Broadcasting System (CBS).
Es el escocés John Logie Baird quien, en 1925 crea la televisión como la conocemos. El 9 de febrero de 1928 se realiza la transmisión de televisión trasatlántica, desde la estación inglesa de onda corta de Couldson a la Hartsdale en el Estado de Nueva York. En los años treintas la tv se consolida y empiezan a formarse los grandes monopolios privados y públicos.
Es en 1935 cuando comienza su desarrollo como televisión pública, pero no es hasta la segunda mitad del siglo cuando se inicia su crecimiento como un medio de difusión de imagen y sonido.
El mundo parece tomado por sorpresa y los niveles de audiencia aumentan con el tiempo dejando de lado a los dos medios más fuertes del momento, el radio y el cine. La tv adquiere el carácter de institución en los países más avanzados del planeta y sigue su conquista. En 1948 se convierte en el medio de difusión por excelencia y el número de espectadores crece: de 1948 a 1957 entraron en funcionamiento 18 mil receptores diarios; en los siguientes cuatro años el número llegó a 31 mil y en 1961 alcanzó la cifra de 50 mil aparatos al día.
Estados Unidos es pico de lanza en cuanto vanguardia a nivel mundial y conquista técnicas como el videotape (grabador de cinta) lo que permite a la televisión a convertirse de un medio en vivo a una serie de grabaciones previas. El video , del latín yo veo, abre muchas opciones a la industria en desarrollo pero crea el síndrome "anti-tv" dado a que el video puede ser manejado previamente que algo en vivo y restando un poco de credibilidad al momento.

En 1965 el video se utiliza de forma distinta, para un trabajo artístico. Nam June Paik consigue un equipo portátil de video grabación de cinta de media pulgada, que en 1967 Sony Corporation comercializaría públicamente, y graba un vieje en taxi por la ciudad de Nueva York y exhibe la cinta en el "Cafe Au Go-Go" y la Galería Bonino del Greenwich Village. "Es en 1965 cuando el artista alternativo Naum June Paik se convierte en el primer videoartista cuando graba ;cámara Porta pack en mano- las calles de nueva York, y a partir de ese momento el videoarte protagonizaría, junto con el cine underground, el op art, el pop art, el arte objetual, el happening, el performance, la lucha de los negros por sus derechos civiles, el feminismo (o consciencia de género), la gay liberation, el rock stage, el hippismo y los movimientos antiburocráticos, el estallido de una nueva sensibilidad estética...", cito del ensayo "El Jardín de la televisión" (1993) de P. Gaytán. La influencia del existencialismo y de la cultura beat también vendrían a engendrar este nuevo movimiento.
De esta manera el video se quita el estigma de ser usado únicamente para la televisión de aire y se comienza a ver como un medio versátil. La irrupción de los artistas en este medio, al proceder del campo de la plástica, produce un efecto inmediato a nivel técnico: El manejo de la electrónica con finalidades estrictas de lenguaje visual.
Sale al mercado en 1967 el portapack, con esto el individuo tiene acceso al medio audiovisual magnético y esto trae varias consecuencias. El público ahora tiene la facilidad de grabar y reproducir sus propias cintas lo que resulta cómodo, para algunas personas que optan por ver cintas o películas en su casa que ir al cine, y oportuno para mucha otra gente que ve el fácil acceso al video como una forma de expresión artística.
1.2 El videoarte
La historia del videarte comienza en 1965 con Nam June Paik, un compositor electrónico y artista conceptual nacido en Corea y educado en Japón. Paik estaba rodeado de varios movimientos artísticos que afectaron su trabajo y el trabajo de otros videoartistas:
Fluxus: un movimiento de arte iconoclasta que comenzó a finales de la década de los 50’s y cuyo auge se dio en los 70’s y todavía se encuentra presente en nuestros días. El movimiento se relaciona con el reverso escéptico de los estándares de la alta cultura. Es caracterizada por la deflación de las instituciones artísticas, uso de mezclas de medios y tendencía a la diversión. Fue un moviemiento anti-alta arte y fue un reminicente de Marcel Duchamp y el dadaísmo de los años 20. Exponentes: Nam June Paik, George Maciunas, cuyos trabajos se consideran los primeros trabajos fluxus. Fue a través del festival Weisbaden de Maciunas, que los artistas fluxus se presentaron públicamente como un grupo en 1962 en el festival y por ello se considera a George Maciunas comisario del fluxus, como André Bretón lo fue para el surrealismo.
Pop Art: Movimiento preocupado por el reflejo de la cultura popular y bienes de consumo en las artes. Este movimiento surgió a mediados de los 50’s en Inglaterra pero su auge lo tuvo en Nueva York en los 60’s donde compartía con el minimalismo las atenciones del mundo del arte. En el pop art lo épico era reemplazado por lo cotidiano y lo producido en masa era considerado tan valioso como lo único. El golfo entre las altas artes y las bajas artes se erosionaba. Exponentes: Andy Warhol, Paul Wesselman.
Lettrismo: la revisión de lenguajes como medio de expresión lingüística y visual (el uso del texto como arte).
Happenings o reuniones: la unión de diferentes medios y materiales en acciones públicas. Exponentes: Allan Kaprow y Robert Rauschemberg.
En México surge el concepto de happening dentro de otro contexto, uno altamente influenciado por la cultura estadounidense pero sin perder las raíces latinoamericanas. En 1968 aparece "Happening a go go" un programa televisivo producido por D. Higuera donde hacían aparición diversos músicos, artistas y bailarinas.
Paik decoraba cosas que él consideraba símbolos de la vida burguesa (como pianos y televisores) con relojes y objetos caseros. Violaba de mil y un maneras los pianos al golpearlos, cortarlos y demás para hacer extraordinarios sonidos creando performance art y ejecuciones musicales.
A finales de los 60’s y principios de los 70’s el contexto histórico determinó el desarrollo del videoarte por ser una ápoca muy política y la ascendencia de la televisión, que ya no era parte de la cultura, pero era la cultura. Lo que llevó a la creencia firme de que la televisión acechaba todas las exhibiciones de video arte. Esta creencia produjo dos grandes perspectivas a la hora de hacer videoarte: ver a la televisión como el hermano malvado del videoarte y el video como anti-televisión.
Desde estas perspectivas los videoartistas han hecho su trabajo usando cinco grandes métodos y acercamientos:
Revirtiendo la asimetría: enfatizando que la televisión no es un proceso unilaterial; la audiencia completa el ciclo.
Bajando la velocidad tecnológica de la tv: administrando el tiempo tv para el espectador porque la tv no permite tiempo para cuestionarse. Esta contemplación y manipulación del tiempo se encuentra en mucho trabajo contemporáneo de video, incluyendo obras de Bill Viola.
Hablándole al medio o tomándo de regreso el medio: cortándo imágenes de una narrativa original y reeditándola para crear una sintaxis que deconstruye al original. Manipulando un medio que se conoce por ser manipulado. El trabajo de Dara Birnbaum es un ejemplo de esto. Ella ha deconstruído narrativas usando los personajes de la Mujer Maravilla y Kojak.
Crítica social y crítica a las instituciones artísticas: criticando no solo la dominación de grupos e individuos para la tv aérea, pero también enjuiciando la amplia cultura tecnológica y comercial. Con este acercamiento buscan erradicar la división entre el artista y el espectador.
Escapando a la narratividad lineal: rompiendo y escapando de estructuras narrativas lineales usando instalaciones de video con multicanales y en el proceso, cambiando la relación standard del espectador con la tv y el video.
También han existido grupos que han practicado el video activismo y la televisión de guerrilla, como las video colectividades: Deep Dish tv, Paper Tiger tv, Raindance, TVTV, Videofreex, Ant Farm, Promedia, entre otros. Muchos de estas colectividades celebran una estética anti-televisión, y sólo duraron algunos años.
En 1970 Phillis Gershung, Beryl Korot , Ira Schneider y Michael Shamberg se unen y crean la revista "Radical Software" en Nueva York, para difundir información acerca del equipo y de los videartistas de los distintos movimientos. Esta revista recibió el reconocimiento oficial como medio artístico a partir de varias exposiciones importantes como "La máquina vista como el fin de la era mecánica" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, o las cintas de Nam June Paik "Mc Luhan Caged", "Nixon tape" y "Lindsay Tape".
En los 70’s sólo las televisoras comerciales tenían acceso a equipos de grabación a color, por ello los artistas buscaron la forma de generar sus propias imágenes a colores a partir de sus grabaciones en blanco y negro. La exposición titulada "La televisión como un medio creativo" presentada en la galería de Arte Cinético Howard Wise, el artista Siegel presentó "Psychedelevision en color" que sería el primer video-tape en color producido de una grabación en blanco y negro. El color se procesó a través de un sintetizador construido especialmente por él. Dentro de la misma exhibición se mostró "Archetron" de Thomas Tadlock, en donde creó un caleidoscopio compuesto de imágenes separadas que provenían de tres cámaras blanco y negro afocadas en un monitor de t.v.
Aunque los establecimientos para la transmisión pública se edificaron a principio y mediados de los 70’s, durante los 80’s Rockefeller y otras organizaciones como Ford y Jerome, fundaron varios centros de producción no lucrativas que tenían mejores instalaciones y equipo, incluyendo animación por computadora, gráficos de paint box, etc.
Así los artistas se fueron de la tv de transmisión para irse a museos. Esto significó, según Ellen Strain, la museoificación del videoarte.
Para hacerlo comercialmente accesible en 1972 sale al mercado los cassettes en video de tres cuartos de pulgada; siendo los primeros en ofrecer un formato manejable que facilita la distribución artística a museos. En 1974 Douglas David, Fred Barazyk, Gerald O’grady y Willard Van Dyke organizan la conferencia "Circuitos abiertos" en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Estudiantes de todo el mundo, curadores de arte, artistas, escritores y educadores se unieron para intercambiar ideas y predicciones acerca del futuro de la tv. Esta conferencia fue realizada en una época significativa cuando la actividad del video se expandía internacionalmente.
Suzanne Delehanty organizó la primera exposición que recopilaba el trabajo realizado en video en el Instituto de Arte Contemporáneo de Filadelfia llamada "Video arte" y consistió en Video instalaciones, video performances y video cintas, de setenta y nueve artistas de alrededor del mundo.
Las video instalaciones son las que llevan a las últimas consecuencias no-objetualistas la relación cámara/monitor e igual que las video performances, pueden acentuar las oposiciones realidad/imagen y presente/pasado... Las video instalaciones se centran en un procedimiento que permite al video yuxtaponer distintos espacios y tiempos variando las relaciones de la cámara con la realidad y con él o los monitores...Las videoinstalaciones limitadas a imágen utilizan de uno a varios monitores, utilizan un canal y recurren a un circuito cerrado o algunas veces a las cintas pre-editadas. Como ejemplo de ello esta la obra de la artista japonesa Shigeko Kubota "Desnudo bajando de una escalera" que consiste en una escalera de cuatro peldaños,; la grabación que es monitarizada simultáneamente en las cuatro pantallas visualizando la acción descrita en el título de la obra. De las videoinstalaciones más famosas mencionaremos a las de Nam June Paik "TV buda" y "TV thinker", estatuillas del Buda y del pensador Rodin respectivamente que se autocontemplan en un monitor por medio de un circuito cerrado.
Se le denomina video performance a la manifestación donde el video forma parete de la obra como registro de lo que está sucediendo en ese momento, el actor puede ser el autor de la obra.
Video-tapes son los productos de un video que se limita a editar grabaciones con las imágenes de la realidad visible y audible o bien de realidades humanas simuladas. Estas grabaciones se transmiten en el espacio reducido de una pantalla del televisior doméstico, de una biblioteca o un museo. El video puede ser manipulado por medio de edición y postproducción para logar el efecto deseado.
Tiempo después los fondos dirigidos a sostener la producción y exhibición del videoarte cesaron y el videoarte ha tenido que sustentarse de varios medios para poder existir. Pero con el advenimiento del internet el videoarte ha encontrado un nuevo escaparate donde exhibirse.
En México el videarte comenzó como inspiración de los trabajos de Paik y encontró sus espacios vinculado con el video experimental e independiente, el cual inicia sus exhibiciones en la librería El Ágora en 1986, y desde 1990 hasta la fecha en Bienales de Video en nuestro país. Entre los videoartistas que trabajan en México se encuentran Antonio Albanés, Domenico Cappelo, Rafael Corkidi, Ximena Cuevas, María García, Rafel Lozano, Hemmer, Sara Minter, Lysi Monserrat, Daniel Rivera, Alberto Roblest, Gregorio Rocha, Pilar Rodríguez, Carlos Salom, Cecilia Sánchez Duarte, Leticia Venzor y Manuel Zavala entre otros.
En 1995 Elías Levían junto con Kepa Landa y Juan José Díaz Infante gestan la exposición electrónica vía internet "Puente abierto" con el propósito de crear un puente formado de obras que van desde el dibujo hasta la creación en video.
Luego surge el proyecto "Música de cámara" que crea obras que pueden ser escuhadas, olfateadas, tocadas y vistas ya que se utilizan varias isciplinas como la música, la literatura, la plástica, la fotografía, el video, y demás.
El videarte en México es relacionado con la figura de Pola Weiss, pionera del videoarte, videoinstalación y performance en México. Fue creadora de imágenes de mujer diferentes a lo que la sociedad patriarcal maneja. Su obra por excelencia es Mi Co-ra-zón de 1985, con una duración de diez minutos donde Weiss cra una situación audiovisula única. Las imágenes centrales nos presentan algunos de los efectos del terremoto de 1985 sobre las construcciones de la ciudad de México, con ello y sus instalaciones simbólicas, Pola Weiss crea una imagen urbana sobre lo que significa recuperarse de sí mismas después de una catástrofe, cosa que relaiza a través de la danza.
La videodanza es otra parte dentro de las expresiones artísticas del video. Como derivación del videoarte y del arte dancístico y la necesidad de sus creadores de explorar nuevas tecnologías y darle nueva vida al discurso coreográfico. Aquí surge la videodanza que construye un discurso kinético con características propias. El manejo de la edición para lograr cosas que tal vez en la realidad no se den: como un bailarín que desafía a la gravedad al dar un giro y flota sobre nubes. Los puntos de vista únicos e íntimos que los encuadres del video nos dan, el manejo de los tiempos y la edición hacen de la videodanza un género por su mismo. El coreógrafo busca otros contenidos y los expresa de esta manera. Este año se realizaron Jornadas de Videodanza en la Cineteca Nacional cuyo plato fuerte es el trabajo hecho por coreógrafos y videoartistas contemporáneos mexicanos.
El videoarte y video amateur no goza de popularidad entre los directivos de la televisión de aire y es la tv por cable la que abre los espacios de difusión de esta nueva forma de expresión. Después de la museoficación del videoarte este vendría a buscar el medio donde pudiese expresarse libremente. En la televisión hay lugar para todo, sólo era cuestión de buscar el espacio adecuado para su exposición.
El videoclip vino a desarrollarse entre esta guerra de video de uso comercial y video arte pero su nacimiento fue con el fin de promocionar artistas o canciones. El video serviría nuevamente y con los mismos principios del cine musical; el poder llegar a una mayor cantidad de personas y salvar una industria que caía: el disco.


CAPÍTULO II

ANTECEDENTES DEL VIDEOCLIP

El videoclip musical es una combinación audioverboiconocinética nacida de una amalgama del comercialismo, televisión y el cine con el propósito de exponer públicamente un artista o canción, filmada o grabada de aproximadamente 3 a 4 minutos de duración - o dependiendo de la canción o pieza musical- cuya estructura puede ser expresada de varias formas.
2.1 La rocola audivisual
El Scopitone es el primer antecedente directo del videoclip. La primera rocola visual fue creada en 1939 con el invento del "Panoram" por la Mills Novelty Company de Chicago. El Panoram era un gabinete de madera con una pantalla translúcida de 17 x 22.5 pulgadas en la cual la imagen era proyectada , este aparato reproducía ocho cortos musicales de 3 minutos que se ponían en una sola cinta para que se reproduciera en secuancia sin necesidad de ser regresada. De repente los asiduos visitantes de club nocturnos eran bombardeados no sólo con el sonido de la música también podían ver a sus estrellas o artistas preferidos mientras oían su canción. Pronto la furia de los soundies, como les llamaban a los pequeños filmes, decaería a finales de 1940.
Al final de la guerra en Europa dos técnicos franceses comenzaron a construir una rocola visual con viejo stock militar que fue desechado al finalizar la guerra. Comenzaron por tomar una cámara de 16 mm que la fuerza aérea francesa había instalado en los aviones para reconocimientos de grandes alturas y lo conviertieron en un proyector de 16 mm; los mecanismos de una cámara de cine y un proyector eran casi idénticos.
No fue hasta finales de los cincuentas que este aparato fue terminado; éste mostraba dos grandes progresos sobre el Panoram que era la reproducción de filmes a color y la libertad que le daba al consumidor de hacer selecciones específicas de sus canciones, como hoy en día las rocolas, y no dependían de lo previamente programado en la máquina. La compañía que realizó esto llevaba por nombre Compagnioe d’applications Mecaniques a L’eletronique au Cinema et a l’atomistique (CAMCA), localizada en St. Denis, Francia. Este invento fue bautizado como Scopitone.
Esta nueva sensación tomó a Francia por sorpresa como alguna vez el Panoram lo hiciera pero atrayendo a estrellas musicales francesas hacia su luz. Pero a pesar del gusto panamericano por estrellas pop francesas a principios de los sesentas y la filmación de algunos grupos españoles, alemanes e ingleses, Scopitone nunca fue tan popular en el resto de Europa como lo fue en Francia.
En Estados Unidos en 1963 la voz había corrido acerca de este nuevo invento. A finales de los cincuentas la gente prefería quedarse en casa a ver la nueva sensación, la televisión, que ir a los bares y clubes nocturnos y se necesitaba de una novedad para atraerlos nuevamente. El Scopitone parecía ser la respuesta.
Alvin I. Malnik, un joven abogado de Miami al que gente de la agencia de talento William Morris le había informado del Scopitone, compró los derechos del Scopitone en EE.UU. y Latinoamérica por 33,000 dólares ó 5,000 dólares (ambas cantidades fueron citadas en varios reportes). Hizo esto con la ayuda de once inversionistas con los que formó Scopitone Inc.
Se hicieron las negociaciones necesarias para que Scopitone fuera un éxito, los términos aseguir fueron los siguientes, importación de 200 máquinas con la garantía de que otras 5200 fueran construidas en EE.UU. en los siguientes 10 años, eran muchas las esperanzas que se ponían en esta máquina. Pero este éxito nunca llegó. Alrededor de 1,00 y 1,500 máquinas fueron producidas en los EE.UU. antes de que la furia del Scopitone terminara alrededor de 1967.
Exactamente como los videos musicales de ahora, había dos temáticas en los Scopitones: ilustrar la historia de la canción y hacerlo sexy. Entre Francia y los EE.UU. había grandes diferencias estéticas en los videos: mientras en los Estados Unidos se manejaba un poco de semipornografía (en comparación con lo que se veía en los 60’s, no ahora) como chicas que giraban salvajemente aún sin llevar el ritmo de la música, usando un mini bikini y haciendo algo muy parecido a un pequeño striptis. Aunque muchos Scopitones franceses también utilizaban la figura femenina la usaban con lógica, esto es, si había chicas en bikini al menos estaban cerca de una piscina.
Las recurrentes escenas de bailes junto a las imágenes de los propios artistas luciendo cool y perfectos, con la inclusión de sorprendentes efectos especiales, servían como antesala a lo que serían los estándares del video making del futuro.
El objetivo principal del scopitone y de los videos musicales es darle una imagen a la música y al artista, por ello la historia de la música que lo revolucionó todo debe ser contada.
2.2 Surge la industria del rock and roll
Recordemos que en 1953 Bill Halley comenzó interpretando el Rythm and blues de los negros y creó dos grandes éxitos con las canciones "Shake rattle and roll" y "Rock around the clock", canción original del cantante de color Sonny Dae en 1954, que Halley y su grupo los cometas interpretaron en la cinta "Black Board Jungle" . La cinta lo lanzó a la fama y también popularizó su música a la cual se le denominó "Rock and Roll".
Este nuevo género comenzó a comercializarse para un público joven, no precisamente de color, que buscaba una música más agresiva y más propia que la de sus antecesores. Las primeras técnicas mercantiles fueron primitivas en comparación de los modelos adoptados posteriormente (Elvis Presley y The Beatles, por ejemplo), haciendo posible que este movimiento fuera un negocio multimillonario.
Numerosos programas de televisión surgieron dando más publicidad al nuevo género musical. A los inicios de los 50’s The Ed Sullivan Show hizo mella en la juventud con grandes presentaciones en vivo televisadas por todo el país de jóvenes promesas y estrellas consagradas como Elvis Presley que en 196 hace su primera aparicion en este programa. Durante la última canción de su repertorio las cámaras se alejaron de las caderas giratorias de Presley, para no escandalizar a los espectadores. Más del 80% de los televisores americanos sintonizaban el show. También en este año surge el show Bandstand conducido por Dick Clark que en un año se volvería nacional bajo el nombre de American Bandstand, convirtiéndose en el más grande escaparate musical de la década.
El cine también alimentó a la creciente industria musical creando películas con apariciones musicales de peso. Incluso a veces el éxito de un filme estaba íntimamente ligado con el éxito de la canción. Pero mientras el cine musical es un género cinematográfico con reglas y objeto de consumo cultural, el clip es heterogéneo y cambiante creado para publicitar un disco y un intérprete.
El rock and roll fue identificado con la rebelión juvenil de la época y por ello numerosos filmes sobre jóvenes y rebelión fue aderezado oportunamente por apariciones de artistas interpretándo su música. Otras, como The Jailhouse Rock de Elvis Presley, eran cintas creadas para el mero lucimiento del artista. Ésta película fue la que finalmente lanzó a la estratósfera a Presley.
Surgieron numerosos filmes bajo la misma temática de rebelión y con un tema musical como "Don’t knock the twist" en 1962 protagonizada por Chubby Checker; las películas playeras de la ex-miembro del Club de Mickey Mouse de los 60’s Annette Funicello y Frankie Avalon como "The beach party", "Beach banet" y "Bingo".
La cinta musical de los 60’s por excelencia es "A hard day’s night" de 1964 dirigida por Richard Lester y protagonizada por los Beatles. En esta cinta se tomaba un tema simple: un día en la vida de esta famosa banda inglesa y cada beatle intepretándose a sí mismo. Este filme captó la escencia pura de los Beatles en los 60’s, la de cuatro chicos divertidos y simpáticos y sirvió de trampolín para otros filmes de seguir la misma temática. Además, este filme es rico en recursos formales novedosos. Sin duda contribuyó a ello el influjo de las técnicas publicitarias que, en los 70’s buscaban incesantemente las múltiples maneras de impactar a los posibles consumidores. Dentro de sus técnicas cabe citar el aumento de grado de multiplicidad, fragmentación, imprevisibilidad y dinomismo, la utilización de máscaras, fades lentos, mezcla del material documental y ficcional, la utilización de los músicos como protagonistas de la acción, la alternancia de actuaciones musicales con escenas de acción o dialogadas, etc...
"Performance" es otro filme de los 70’s, dirigido por Donald Camel y Nocholas Roeg, donde participaron Mick Jagger y Annita Pallenberg. Los temas de esta película son el suicido, el asesinato, el sadomasoquismo, que veníia creciendo en estos años. En los setentas el rock cambió drásticamente. Se da un nuevo tratamiento para incrementar las ganacias aunque se considera la decadencia. Este hecho se inició con la aparición de la música disco. Este tipo de música prácticamente desplazó al rock en cuanto a su impacto comercial.
En esta década surgen películas como "Saturday Night Fever" producida por Robert Stigwood y estelarizada propusieron la tendencia que se seguiría en la época. La música de los Bee Gees dominó las listas de popularidad y Travolta y su look fueron imitados por todo el país y el resto del mundo. Filmes como "Tommy" del grupo musical The Who y "Quadrophenia" de 1979 dirigida por Frank Roddam, un drama rock acerca la lucha entre mods y los rockers en el lado este de Inglaterra, seguirían la manifestación rebelión-groovy-musical
También la televisión haría su parte con programas como "Top of the pops". Gradualmente los grupos de rock comenzaron a mandar sus videotapes grabados en lugar de presentarse en vivo. De 1963 a 1966 se emite en la Gran Bretaña Ready, Steady-Go! producido por Jack Good, este programa de música pop presentó grupos que tendrían gran influencia durante al menos veinte años.
Luego en los 70’s agentes libres de las compañías disqueras estadounidenses comenzaron a distribuir conciertos filmados en video. De esta manera se informaba a los distribuidores de las compañías sobre las tendencias musicales del momento.
Como estas grabaciones eran sencillas actuaciones filmadas, ocasionalmente se hacía uso de efectos especiales para darles un poco más de vida y estilo para su difusión masiva. El videoclio surgió unido estrechamente a la Nueva Ola -new wave-, movimiento britanico de finales de los 70’s y principios de los 80’s que suponía un giro respecto a las tendencias musicales predominantes de la década anterior. La escena musical era dominada por la música disco y sus antagónicas, los movimientos Punk y el Heavy Metal. Esta euforia fue poco duradera y a pesar que creó la ilusión de un cambio en la tendencia musical, al parecer sólo fue el regreso al optimismo pop de los 60’s.
Pero es hasta 1975 que Bruce Gowers realizó el que se considera el primer videoclip de la historia: Rapsodia Bohemia, canción del grupo Queen, el cual fue un éxito comercial rotundo y causa directa de los altos niveles de ventas de su álbum "A night at the opera" , que fue propagado por medio de diversos programas televisivos y cápsulas ocasionales.
La rocola audiovisual continuó su conquista por medio de filmes como "Flashdance" de Adrian Lyne, "Fame" de Alan Parker, "Hair" de Milos Forman entre otras. Pero tomaría un rumbo totalmente distinto con la producción de 1982 "Pink Floyd-The wall" dirigida por Alan Parker, escrita y musicalizada por Roger Waters. Basada en la propia infancia de Waters, describe la confusión y caída a la demencia de una estrella de rock que materialmente lo tiene todo pero que ha creado a lo largo de su vida un muro alrededor suyo formado por sus propias pesadillas y temores dejándolo incapaz de demostrar emoción alguna. Llévándolo a un clímax de insanidad mientras recorremos su inconsciente. Acompañada por fabulosas animaciones dirigidas por Gerald Scarfe.
Autores como Nicholas Roeg, Bob Rafelson, Tob Hooper y Andy Warhol, quienes se dedican a la dirección de comerciales y TV ampliaron su actividad al arte de la cinematografía y la música. Al respecto comenta Warhol: "Todos deseamos hacer video-música".
2.3 Surge Mtv
El videoclip ya formaba parte de nuestras vidas. Video artistas, grupos musicales, cantantes, cineastas, videastas y demás voltearon sus ojos hacia el clip musical.
Pero el verdadero boom del clip vendría con el nacimiento de Mtv. La unión de la Warner Communications de Steve Ross y la American Express de James Robinson III procreó a la Warner Amex Satellite Entertainment Company, o WASEC, en 1979 para proveer de programación a los sistemas de cable de la Warner Amex el presidente de WASEC Jack Schneider junto con John Lack vicepresidente y Bob McGroarty jefe de ventas, atestiguaron la creación de dos entidades: Movie Channel - el primer servicio de películas las 24 horas- y Nickelodeon - un canal infantil - y buscaban lanzar otro concepto al mercado. En el verano de 1979 Jac Holzman, fundador de Elektra records, le facilitó a John Lack un gran número de videos.
Jac Holzman tenía cierta experiencia en el campo del video, participó en la grabación del grupo The Doors interpretando "Break on through" con una cámara casera y con un costo aproximado de mil dólares, esto abrió la exposición de los músicos por otro medio. Holzman conocía el trabajo de Michael Nesmith, ex-miembro del grupo The Monkees, que había realizado varios videos, especialmente para el mercado europeo con fines promocionales, y le propuso mostrar sus videos en Nickelodeon en un programa semanal al que llamarían Popclips, McGroarty sugirió hacer un espacio permanente dentro de ese canal para esa clase de exposición pero Lack tenía en mente una cadena.
Después de ver la positiva respuesta del público ante los videos musicales de Nesmith se buscó el apoyo de Schneider. Y con la participación de Bob Pittman, un ex-disc jockey y encargado de la programación de Movie Channel el proyecto se puso en marcha.
MTV se desarrolló para ser una estación de videos musicales las 24 horas del día. La idea primordial era que a cualquier hora Mtv estaría mostrando un video musical. Este canal salió al aire el 1ero de agosto de 1981 a las 12:01 am, siendo el primer video proyectado "Video killed the radio star" interpretado por el grupo "The Buggles", dirigido por Russell Mulcahy -director de la cinta "Highlander" entre otras-. El slogan que manejaron en el principio fue " nicho musical televisivo completo " - complete music television niche-. Tom Freston, presidente y CEO de MTV Networks y John Perry Bariow, uno de los co-fundadores, desarrollaron el nuevo slogan de Mtv que ha estado en efecto durante la última década "Think globally, act locally" -Piensa globalmente, actúa localmente-. Mtv se inauguró con unos 4 millones de suscriptores iniciales. Esto abrió un gran espacio que debía ser satisfecho con videos las 24 horas, lo que resultó en una creciente industria del video musical.
Mtv ha cambiado mucho desde sus primeros días de programación, Mtv se convirtió en Mtv Networks y han crecido tremendamente. Cuenta con más de 71, 600, 000 suscriptores en los Estados Unidos de América y llega a 301.2 millones de suscriptores mundialmente en 82 territorios, tiene 9,105 afiliadas y está 24 horas al día cada día de cada semana.
El imperio de Mtv se ha expandido internacionalmente: incluyendo Mtv Europa (lanzada el 1ero de agosto de 1987), Mtv Brasil (lanzada el 20 de octubre de 1990), Mtv Japón (24 de diciembre de 1992), Mtv Mandarín (21 de abril de 1995), Mtv Asia (re-lanzada el 5 de mayo de 1995) y Mtv Latino, lanzado el 1ero de octubre de 1993 con el video "We are southamerican rockers" -Somos rockeros sudamericanos- interpretado por el grupo Los Prisioneros.
Su mercado meta son jóvenes de 12 a 34 años, lo que cubre un grupo muy diverso. Con la popularidad de Mtv vino la popularidad de la gente que salía en el canal, mejor conocidos como VJ’s o Video Jockeys. La cual ha llegado a ser una posición muy poderosa.
El VJ tiene entre sus funciones primordiales presentar los videos que se van a transmitir, hablar sobre los artistas, comentar sobre la canción, las imágenes y lograr una especie de retroalimentación acerca del artista y su "producto". Realizar entrevistas al artista o cantante, brindar concursos. Todo aderezado con algunos cortes "informativos sobre artistas y hechos musicales del momento" con Mtv News. Los primeros VJ de Mtv en los Estados Unidos fueron Alan Hunter, Nina Blackwood, J.J. Jackson, Martha Quinn y Mark Goodman.
Mtv obviamente congenia con con las jóvenes generaciones o jóvenes mentes, Mtv parece escuchar a lo que los televidentes quieren y tiene gente muy sabia que trabaja para ellos.
En los ochentas Mtv se proclamaba el canal democrático por excelencia pero fue acusado por racista porque en ese momento, alrededor de 1980 a 1982, la mayoría de los videos que se proyectaban eran de gente blanca. Al principio el canal contaba con un stock de 250 videos de los cuales 30 eran del cantante Rod Stewart. Incluso en el San Francisco Examiner salió publicado un artículo titulado ¿Dónde están los negros en Mtv? y en su tiempo el ejecutivo Les Garland respondió: es el formato. Pero otras fuentes citan que todo fue un malentendido, que el video no se presentó al aire las primeras semanas porque "alguien" había extraviado el videocassette junto con otros
Hasta que en 1983 la cadena exhibe el video "Billy Jean" de Michael Jackson, dirigido por Steve Barron, que logra dos cosas. Primero permitió a Michael Jackson que su disco Thriller se convirtiera en el disco más vendido (más de 40 millones alrededor del mundo); y segundo, romper con la auto impuesta barrera de color del canal, abriendo las puertas a Mtv para convertirse en algo realmente exitoso. Resultó que la audiencia que el programador Robert Pittman insistía que nunca toleraría videos de "negros" realmente quería participar en la revolución hip-hop.
En la actualidad ese es un problema del pasado ya que la mayoría de la programación se dedica a la música más escuhada que es el R&B, hip-hop, soul, rap y demás, que precisamente pertenecen a artistas de la raza negra.
Los videos producidos en los 80’s estaban llenos de colorido y pop. Por lo general constaban del artista cantando en una escenografía bastante simple llena de colores pasteles, bailando mientras que se realizaban cortes o wipes - transiciones de una toma a otra - excesivos que daban la impresión de que el editor estaba probando su nueva caja de efectos. Todo grabado y editado en formato de 3/4 de pulgada.
Realmente en el principio sólo se trataba de darle rienda suelta a la diversión, hacer algo que llamara la atención para hacer ver bien al artista y la canción. Videos con historia como "Take on me" del grupo A-ha, o simple escenografía y luces como "More than this" de Roxy Music eran comunes en la programación. En el inicio se contaba con poco presupuesto y poca producción, pero muchas técnicas de innovación.
Si existió un grupo en los ochentas que comenzara a jugar con sus videos fue la banda inglesa Duran Duran que con sus videos, su música y su imagen lograron conquistar al mundo en los 80’s convirtiéndolos en la mejor banda de pop de la década. El director Russell Mulcahy fue el responsable directo de el fenómeno duranie en video; el video "The reflex" era un nuevo acercamiento a la filmación de presentaciones en vivo que dejó los estándares a seguir en los siguientes años. En 1984 Mulcahy convirtió el tour "Arena" de Duran en un concepto de completa duración de corte fantástico del cual salió el antológico video "Wild boys".
Michael Jackson fue otro de los visionarios en esta industria cuando decidió cambiar el formato típico del video como se conocía y comenzó a relatar una pequeña historia dentro del video, como una mini película de tres minutos de duración. De todos sus videos el más memorable por haber sido un parteaguas en la industria fue "Thriller" dirigido por John Landis que contaba una historia de terror complementada con excelente maquillaje de Tom Savini y rutinas de baile que impulsaron a muchos artistas a seguirle los pasos.
El trabajo de los directores sólo era apreciado por cierto número de personas que sabían quiénes eran las mentes detrás de los video, es hasta que MTV comienza a poner los créditos del director en la emisión del video junto con el usual nombre del grupo, la canción y nombre del disco que el video comenzó a trasnformarse. El videasta, hasta ahora un tanto despreocupado de que su trabajo fuera visto en televisión nacional ahora comenzó a preocuparse por lo que la gente dijera de su trabajo. Los créditos lo cambiaban todo, ahora comenzaba la competencia artística, el impulso de no sólo presentar una serie de fotogramas que fueran de acuerdo al video y de aquí surge la que sería la tercera forma del video: la conceptual.
De las tres formas del video: de actuación, narrativa y conceptual; a principios de los 80’s exclusivamente las primeras dos eran las más explotadas. Videastas como Marcello Anciano, Zelda Barron, Brian De Palma, Dominic Orlando, Nick Morris, Nigel Dick dejaron de ser desconocidos y se volvieron nombres de uso entre las compañías disqueras y los artistas.
Julien Temple fue uno de los videastas más célebres de los 80’s, creador de una de las propuestas audiovisuales más representativas del Punk en los 70’s The great Rock and Roll Swindle, el relato de un año de actuaciones de los Sex Pistols. Sus producciones eran probablemente las más cercanas a ser "pequeñas películas". En sus videos no muestra interés por la clase de experimentaciones abstractas bien realizadas por directores como Godley y Creme, ni tiene alguna tendencia hacia la mezcla de animación y acción viva como Steve Barron.
La psicodelia invadió a los 80’s por lo que el clip fue bien recibido. Pero no fue hasta la década de los 90’s que se produjo una segunda revolución, con la infografía al servicio del día y gran calidad de sus directores.
Los 90 trajeron consigo numerosos movimientos musicales. Esto provocó una lucha por conseguir adeptos entre cada género y esta batalla se dio por medio del videoclip. Todo esto provoca que esta sea la década del videoclip.

CAPÍTULO III

EL VIDEOCLIP MUSICAL

El videoclip tiene como primer fin la venta de un disco, una canción y la imagen de un grupo. Eso no demerita su función artística ya que un mero comercial no requiere más que de exponer el producto de una manera atractiva y realzar sus cualidades; en cambio el clip ofrece mucho más que eso convierténdose en un escaparate de numerosas manifestaciones artísticas como la fotografía y el cine.
3.1 Definición y características
Aunque el término video esté estrechamente relacionado con la televisión, (fenómeno que aporta más a la acepción de comercial ya que para muchos tv es igual a mercadotecnia) el videoclip musical es una combinación audioverboiconocinética nacida de una amalgama del comercialismo, televisión y el cine con el propósito de exponer públicamente un artista o canción, filmada o grabada de aproximadamente 3 a 4 minutos de duración - o dependiendo de la canción o pieza musical- cuya estructura puede ser expresada de la siguiente manera:
Dramática o narrativa: aquellos en los que se presenta una secuencia de eventos donde se narra una historia bajo la estructura dramática clásica, en los cuales la relación de la imagen con la música puede ser lineal (la imagen repite punto por punto la letra de la canción ), de adaptación (se estructura una trama paralela y a partir de una canción) y de superposición (se cuenta una historia que puede funcionar independientemente de la canción aun cuando en conjunto provoque un significado cerrado).
Musical o performance: la imagen sólo es testigo del hecho musical, ya sea el concierto o estudio, o bien ilustración estética de la melodía, con lo que únicamente adquiere un carácter escenográfico sin hacer referencia a algo más. La meta es crear cierto sentido de una experiencia en concierto. Visuales orientados al performance indican al espectador que la grabación de la música es el elemento más significativo.
Conceptual: se apoyan sobre forma poética, sobretodo la metáfora (Firth 1988). No cuentan una historia de manera lineal, lo que hacen es crear cierto ambiente o estética como un cuadro que puede ser totalmente abstracto o surrealista. Puede ser una secuencia de imágenes con un concepto en común en colores o formas que unidos por la múscia forman un cuadro semiótico que expresa el sentir de la música, no precisamente la letra de la canción.
Mixto: combinación de las anteriores.
Las funciones que cumple el videoclip son distintas a otras realizaciones audiovisuales que le antecedieron. No olvidemos que el videoclip forma parte de la publicidad televisiva. El videoclip supone una descarga mayor de información icónico-auditiva que facilita al posible comprador su elección.
Los clips no se limitan a una sola manera de hacer las cosas. Su función sintagmática lo hacen un todo, una sola obra que consta de cierto significado -aunque en algunos casos éste sea nulo o inválido-. Según Val. la mayoría de ellos se relevan distintos modelos de compenetración y a continuación los cuatro más frecuentes:
La yuxtaposición: supone un comportamiento del tiempo disponible y una suma de bandas independientes -banda sonora o icónica-. Se da generalmente cuando falta presupuesto o tiempo y el realizador no tiene las herramientas para tener un mayor control sobre su obra. Simplemente consta de imágenes con música.
La divagación: la imagen en contacto con la música, se desgaja de objetos y narraciones, se integra en un ambiente polisensorial. El espectador no presencia una historia lineal, sino que se enfrenta dos bandas que debe conectar para darle algún sentido.
La coincidencia: Hay redundancia rítmica: concordancia perfecta de la imagen con la música. Los movimientos de cámara, edición, montaje, etc. se acomodan perfectamente a las flexiones de la banda sonora. Esto no implica que la imagen deba ilustrar la música.
La complementariedad: Se trata de que la imagen ayude a entender el sentido, mensaje o intención que la canción quiera transmitir.

CAPÍTULO IV

ARTE: EL CINE Y VIDEO DE ARTE

4.1 Arte
Es algo complicado trata de definir qué es el arte. Antes de llegar a un solo concepto hay que analizar qué es la estética, las artes, las bellas artes, las altas artes y el bajo arte.
La estética es la rama de la filosofía que lidea con la naturaleza y valor de los objetos y experiencias artísticas. Originalmente cualquier actividad conectada con el arte, belleza y buen gusto, conviertiéndose ampliamente en el estudio de la función, naturaleza, ontología, propósito del arte, entre otras cosas. Para los postmodernistas estos intereses han sido suplantados con cuestiones del significado e investigaciones de lingüística. Ellos usan el término para indicar una cierta distinción imprecisa entre el arte y la vida, o como un crudo sinónimo de "artístico".
A las artes visuales, música, drama y baile se les llama las artes. Las bellas artes es el nombre con el cual se denomina a las altas artes, también conocidas como las artes finas es el arte de trascendencia universal, que han vencido el examen del tiempo y representan el epítome de los logros art´siticos, opuesto a las artes bajas que se conoce como cultura masiva.
Hasta hace poco la dinstinción eran comúnmente hecha entre altas y bajas artes. Tradicionalemnte, las altas artes consisten en la expresión meticulosa en materiales finos de noble o refinado sentimiento, apreciación del mismo dependiendo de factores como la inteligencia, nivel social, gusto educado y deseo de ser retado. Baja arte es la mera manufactura en materiales inferiores de kitsch superficial simplemente buscando agradar el gusto popular, una irreflexiva aceptación del realismo y una cierta mentalidad perezosa.
Sin embargo anteriormente numerosos artistas tomaban inspiración de lo popular y el arte folk; los acercamientos más sistemáticosa para borrar la diferencia entre las altas y bajas artes vinieron de los movimientos cubistas, dadaístas y surrealistas. El pop art también debilitó la distinción y artistas como Jean Michel Basquiat, Jeff Koons y las Guerrilla girls, influenciados por las diferentes ramas del pensamiento postmoderno, lo han llevado pasos delante.
No es sorprendente por ejemplo que la canción O superman de la artista performance Laurie Anderson llegara al top diez de las listas de popularidad norteamericanas e inglesas, que el videoartista William Wegman haya aparecido en el programa televisivo The tonight show para promover un libro de fotografías, y que ambos hayan hechos segmentos en Saturday Night Live. Aunque el muro existente entre estas dos artes no sea la de antes y que se pueda afirmar inexistente, no podemos decir que quien ve luchas y telenovelas esté interesado en el arte contemporáneo, ni que quien lee el teleguía escoja leer crítica avanzada de arte.
En conclusión, el cuestionamiento de la definición de arte nos llega al cuestionamineto del término "estético". La mayoría de las definiciones ligan a lo estético con lo que es realmente hermoso o atractivo. Es un sistema filosófico de criterio, usualmente meramente visual, usado para evaluar trabajos artísticos. Este método de discernimiento en que uno se involucra para llegar a la conclusión de que un objeto es estético es totalmente subjetivo. Por ello lo que para uno es estético o bello para otro puede no serlo.
Si el arte es definido como el acto de expresar o imitar lo material o invisible entonces podremos considerar al videoclip como parte del séptimo arte que es como se le denomina a la cinematografía, técnica que ahora se emplea en la realización de videos musicales.
Dos grandes escuelas se oponen al considerar la función específica del arte: para la escuela naturalista el arte es la imitación fiel de la naturaleza y para la idealista, interpretación del mundo objetivo a través del prisma de la belleza ideal. Ambas escuelas se dividen a su vez : la primera, según se consideren o no excluidas del arte las cosas feas, deformes o abyectas, y la segunda, según se acepte un tipo de belleza preestablecido, heredados de los clásicos. Una tercera escuela, la más común, adopta una posición más ecláctica y afirma que la obra de arte ha de ser bella, cualesquiera que sean su origen, representación y trascendencia.
Otras fuentes citan al arte como la actividad humana nacida en el momento en que el hombre se propuso dar satisfacción a su necesidad de comprender el misterio del mundo, calmar su angustia, comunicar sus emociones y vivir conforme a sus aspiraciones espirituales.
La expresión de este arte queda en las formas artísticas o manifestaciones, como las artes plásticas o del espacio, que moldea y reproduce formas (pintura, escultura y arquitectura); las artes bellas o del tiempo, liberales o nobles que son manifestaciones del ingenio ( poesía, música, etc.) y las artes industriales, que requieren el concurso de fuerzas físicas, máquinas, instrumentos, etc. como la litografía, fotografía, incluso la cinematografía. También se le considera al cine como un arte espacio-temporal junto con la danza.
Entonces si el video musical es un híbrido de la fotografía, el cine y la composición pictográfica, el videoclip es arte; es una forma artística que es plástica porque reproduce formas, es bella o liberal porque es una manifestación del ingenio y es industrial porque requiere de cámaras de cine o video y demás aparatos.
4.2 Cine de "arte"
Analizando el concepto de cine de arte, tal vez podamos darnos una idea de qué es el video de arte: cine de arte trata del cine realizado por pintores y no de las películas de arte ni de pintores. A causa del parentesco entre estas dos (pintura y cine) las interrelaciones entre ellas son numerosas: basta tener presente el futurismo, el Desnudo bajando una escalera de Duchamp y las películas expresionistas alemanas y sus decorados, con frecuencia tomados del cubismo; o bien Viridiana de Buñuel directamente inspiradas en Rembrandt, o las películas de Godard en las que se deja sentir la influencia del folklore urbano moderno.
Con el movimiento dadaísta los pintores comenzaron a hacer cine: uno de los primeros fue el sueco Eggeling en 1917 con sus Contrapuntos plásticos, Hans Richter con Ritmo 21 y Ruttman con Opus I. El surrealismo orienta a los pintores hacia el cine: Dalí en colaboración con Buñuel realiza el clásico filme El perro andaluz. Con el pop art y el nuevo realismo, el cine vuelve a tentar a numerosos pintores cuyo arte posee afinidades con el cine publicitario. En América el cine underground ha alcanzado un desarrollo considerable, podemos citar a Bruce Connerny a Andy Warhol (Chelsea Girls) que fue el primero en introducir el tiempo real en películas de a veces más de doce horas.
Cuando nos referimos a video de arte no hablamos del Videoarte, sino de una expresión artística con los mismos objetivos y características que el cine de arte pero grabado en video. Por ello al hablar de cine de arte comprendemos la misma forma artística pero en otro formato.
Uno de los primeros precedentes del videoclip se puede encontrar en el cine experimental de Oskar Fischinger. Este animador avant-garde y pintor alemán de los años 20’s unió el carácter innovador de las vanguardias europeas con la funcionalidad publicitaria de sus cortometrajes.
Dentro del auge del expresionismo alemán, Fischinger diseñó los efectos especiales del filme silente de ciencia ficción del director Fritz Lang Woman on the moon. Una de sus metas artísticas era combinar dos de sus pasiones: la música y las artes gráficas. En sus propios cortos Fischinger creaba imágenes fotografiándo cera derretida, líquidos en movimiento y varias formas; estas imágenes eran confeccionadas llevando el ritmo e incidentalidad de la música que elegía, generalmente jazz o clásicos de Bach y Beethoven, creando una forma abstracta de arte conocida como música visual.
4.3 Música visual
Mientras Walter Ruttman y Oskar Fishinger experimentaban con animación otros artistas alemanes jugaban con la idea de filme abstracto. El pintor abstracto Viking Eggeling quien había formado parte del movimiento dadaísta comenzó a pintar imágenes secuenciasles en largos rollos con la esperanza de que pudiera trasferir a un film animado y escribió textos teóricos acerca de esta "orquesta vertical horizontal".
Hans Richter también veterano del dadaísmo siguió con dibujos en rollos similares a los de Eggeling. En 1921 él y Eggeling llevaron sus dibujos a los estudios UFA y pagaron para que se los filmasen. Pero los resultados sólo duraron unos segundos y no daban una buena ilusión de movimiento o transformación porque los dibujos individuales eran muy diferentes, más como un story board que una animación terminada.
Eggeling siguió dibujando rollos. Richter tituló su fragmento de filme FILM IS RHYTHM, el filme es ritmo, y lo mostró abastante, una vez a un crítico francés que se quitó las gafas para limpiarlas antes de que comenzara la proyección y se las puso sólo para darse cuenta de que la había terminado.
Muchos involucrados en el movimiento Bauhaus, tanto estudiantes como miembros de la facultad, también trataron de producir música visual: Werner Graeff y Kurt Kranz por medio de cinta de cine, y Kurt Schwerdtfeger y Ludwig Hirshfeld-Mack con un instrumento de proyección construido por ellos, Reflectorial color play (reflectivo, color, reproducir) y con él compusieron numerosas capas de páneles que eran manipulados a mano para crear proyecciones de formas geométricas en varios colores dependiendo de un score o pieza musical.
Otros estudiantes de Bauhaus Erna Niemeyer y Lore Luedesdorf, se hicieron amiges de Eggeling y Ruttman respectivamente y trabajaron en sus filmes. En 1923 Eggeling terminó el score musical para una cinta llamada Sinfonía diagonal, Niemeyer tomó la responsabilidad de duplicar cada uno de los dibujos de Eggeling cortando las figuras en un delgado papel de aluminio para hacerlas aparecer y desaparecer al cortas las piezas y filmando la animación hacia delante o en reversa.
Ruttman después editó el trabajo de Eggeling y lo mostró en una premiere informal el 5 de noviembre de 1924. El estreno público tomó lugar el 3 de mayo de 1925 en el teatro del UFA en Kurfurstendam en Berlín como parte de "El filme absoluto" un programa que contenía "sonatina colorida" interpretada con el instrumento de Hirschfeld- Mack, la cinta de Richter FILM IS RHYTHM, el Oppus II, II Y IV de Ruttman y dos cortos de acción en vivo experimentales: Ballet mecanique y Entr’acte. Eggeling no estuvo presente en esta ocasión, murió de angina séptica dos semanas después.
Erna Niemeyer se casó con Hans Richter en 1927 y realizó varios filmes para él (incluyendo algunos que después se llamarían Rhythm 21 y Rhythm 23 coomo si se hubiesen hecho antes). Después se divorciaron en 1929, Richter dejó de hacer animación. En 1936 Niemeyer contrajo nupcisas con el surrealista francés Philippe Soupault y vivió hasta su muerte bajo el nombre Ré Soupault.

CAPÍTULO V

MOVIMIENTOS Y CORRIENTES PLÁSTICAS

Ciertos movimientos y corrientes plásticas nos ayudarán a comprender el surgimiento del videoarte y la gran influencia que tiene en la actualidad en algunos de los más importantes directores de videoclips musicales y sus obras.
5.1 Futurismo
Iniciado en Italia 1909-19 surge el movimiento futurista que se gesta en Europa como reacción contra las tradiciones plásticas que lo antecedían. Intentaba integrar el dinamismo de la era mecánica al arte. El futurismo se opone rigurosamente a la idea romántica que prevalecía hasta entonces: el artista como ser alejado de su realidad social. El futurismo atacaba la falsa moralidad constituida por valores de la sociedad burguesa europea, incluidas sus actitudes hacia el arte. Su fundador y prinicpal miembro, Fillipo Tommaso Marinetti.
El futurismo exponía que la obra de arte tenía que involucrarse con el espectador de una manera dinámica con una insistencia enferma en la actividad y el cambio. Sus pretención era establecer un carácter antiacadémico, primitivo e ingenuo.
Esta corriente insistía en la integración del espactador a lo representado: un sonido, movimiento, diseño espacial, atacando por medio de la improvisación y la espontaneidad todas las manifestaciones art´siticas posibles, aplicando su ingenio a todas las innovaciones tecnológicas, haciendo posible el cambio a un movimiento de industrialización liberando el arte de lo que llamaban "las convenciones opresivas capitalistas de la clase media".
5.2 Dadaismo
El dadaísmo es otro movimiento antitradicionalista por excelencia que surge en Zurich que tiene como motor de su rebelión las circunstancias históricas que rodearon su nacimiento durante la segunda guerra mundial: el derrumbamiento de valores occidentales, desmoralización y derrotismo. El dada tiene por características específicas la sustitución de palabras por gritos, los sonidos, las exclamaciones, aullidos, a los desechos con los que se desplaza a los materiales nobles, una generalizada voluntad de ruptura, expresión estrepitosa, destructiva, brutal pero al mismo tiempo etérea y sutil.
El dada es peligro que se convierte en furor, en tornado, en energía. Transforma la basura en tesoros usando botones, lazos, alfileres, elabora obras maestras con desechos transmitiendo inconformidad y una expresa agresividad.
5.3 Surrealismo
Movimiento de los 20’s y 30’s que comenzó en Francia. Exploraba lo inconsciente y lo utilizaba imágenes de sueños. Usaba técnicas espontáneas mostrando inesperadas yuxtaposiciones de objetos.
El surrealismo nace en el mismo contexto histórico del dada pero crece al margen de éste. Bretton define al surrealismo así: automatismo psíquico puto por el cual nos proponemos expresar, sea por escrito, verbalmente, visualmente o de cualquier otra forma el funcionamiento real del pensamiento.
El surrealismo ha influido en casi todas las formas de expresión artísticas, en el área del video ha permitido que los realizadores salgan de la tradición lineal y común del video y se atrevan a experimentar.


5.4 Minimalismo, Fauvismo y Folk art.
El minimalismo es un movimiento en la pintura y escultura norteamericana que se originó alrededor de 1950. Enfatizaba composiciones puras y sistemáticas junto con formas reducidas.
El término fauvismo proviene de la palabra francesa fauve, que significa "bestia salvaje". Un estilo adoptado por artistas asociados con Matisse. Ellos pintaban de una manera espontánea, usando colores atrevidos.
El Folk art es el arte hecho por personas con poca o nula educación formal artística. Los artistas folk realizan sus trabajos artísticos con técnicas tradicionales, con estilos que han pasado por generaciones y que pertenecen a cierta región. Pinturas, esculturas, cerámicas y otros objetos cotidianos pueden ser folk art.
5.5 Expresionismo y expresionismo abstracto
El expresionismo se refiere al arte que usa énfasis y distorsión para comunicar emociones. Se refiere al arte de principios del siglo XX del norte de Europa, especialmente en Alemania de 1905-25. Artistas tales como Rouault, Kokoschka y Schiele pintaban de esta manera.
Expresionismo abstracto es un movimiento en pintura, originaria de Nueva York en los 40’s. Enaftizaba la expresión espontánea personal, libertad de los valores art´siticos convencionales y el acto de pintar en sí mismo. Pollock, Kooning, Motherwell y Kline son importantes expresionistas abstractos.

5.6 Pop Art
Este movimiento estaba preocupado por el reflejo de la cultura popular y bienes de consumo en las artes.
El pop art comenzó en la Gran Bretaña y en los Estados Unidos en los años 50’s pero tuvo su mayor auge en los 60’s. Reemplazaba lo épico con lo cotidiano y lo producido en masa era tan valioso como lo único. Usaba las imágenes y técnicas de los medios masivos, publicidad y cultura popular, casi siempre de manera irónica. Los trabajos de Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Olderburg, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, y Richard Hamilton ejemplifican este estilo.
El arte pop ayudó a disminuir la brecha entre las altas artes y las bajas artes. El término pop art se usó por primera vez por el crítico inglés Lawrence Alloway en una edición de Architectural Digest para describir una pintura que celebraba el consumismo de la postguerra, desafianban la psicología del expresionismo abstracto e idolotraban el dios del materialismo.
El propio Andy Warhol no aceptó al principio el nombre que se le daba a su arte, él prefería llamarlo "arte común" porque lideaba con las cosas comunes y corrientes de la sociedad de consumo.
5.7 Cubismo
Uno de los movimientoas más influyentes (1907-1914) del siglo, el cibismo fue desarrollado por Pablo Picasso y Georges Braque quienes estaban altamente inspirados por la escultura africana, por pintores como Paul Cézanne y Georges Seurat y por los fauvistas.
En el cubismo el sujeto es desmenuzado, analizado y reacomodado en forma abstracta. Picasso y Braque inicaron el movimiento cuando siguieron el consejo de Paul Cézanne que en 1904 dijo que los artistas deberían tratar a la naturaleza en términos del cilindro, la esfera y el cono. Esta corriente emplea una visión analítica basada en la fragmentación y los múltiples puntos de vista.
Existieron tres fases en el desarrollo del cubismo: el cubismo facet - o facético-, cubismo analítico y el cubismo sintético.
Los cubistas desarrollaron el uso del collage y de varios nuevos materiales. Raúl Dura afirma que el videoclip está íntimamente relacionado con el collage más que con el videoarte por la libertad que brinda el primero.
5.8 El collage
El collage, el medio artístico en el cual la basura constituye ambos material y forma del objeto final, un día representará el presente al futuro, como la pintura representa el pasado al presente.
El collage es una ilustración o diseño creado al adherir elementos planos como periódicos, papel tapiz, texto impreso e ilustraciones, junto con fotografías, tela, cuerdas, lazos, etc. a una superficie plana, cuando el resultado se convierte en tridimensional. Introducido por los cubistas fue usado por artistas de otras disciplinas o escuelas y es una técnica familiar en el arte contemporáneo. Un ejemplo de una obra collage lo podemos encontrar en los trabajos de Romare Bearden the street , Jaune Quick to see Smith Indian, indio, indigenous.
Relacionado con el collage el término montaje es muy utilizado, éste se refiere a un sola composición pictórica hecha juxtaposicionando o superimponiendo muchas ilustraciones o diseños. El arte o proceso de hacer tal composición. También se refiere a la rápida sucesión de diferentes imágenes o tomas en un filme o video. Por ejemplo, un fotomontaje es un montaje de fotografías.
En ocasiones el término collage es utilizado para definir a un empaste de cosas. El combinar aleatoriamente elementos como forma de expresión es crear un collage. En los 80’s el videoclip musical fue el resultado de la experimentación de los realizadores con el video y lo que se podía hacer con él. Combinando efectos y con distintas formas de editar creaban un collage de imágenes y efectos en pantalla, en ocasiones sin sentido ni estética.

CAPÍTULO VI
LA VISIÓN DEL REALIZADOR

El director es el artista que moldea el material que tiene y lo convierte en algo más. Desde el surgimiento del videoclip varios directores han volteado sus ojos hacia él como una forma de expresión y ejercicio video y cinematográfico.
Esta manera de dar a conocer a los artistas e intérpretes primero tomó popularidad en Europa, donde numerosos directores producían grabaciones de conciertos, experimentos en video y cine e incluso documentales de músicos.
Entre los primeros videastas encontramos a Bruce Gowers, responsable del primer video musical formal "Bohemian Rhapsody" del grupo musical Queen. Esta visualización con efectos de video se emite dos veces en el programa Top of the Pops de la BBC logrando que el disco llegue al número uno de las listas de ventas. Bruce Gowers se enfoca en la parte melancólica de la juventud, filmando de una manera granulosa semejante a la de un video casero.
6.1 Algunos directores representativos de la década de los 80’s y 90’s.
Marcello Anciano: su trabajo se enfoca casi siempre en baladas como el video de Berlín "Take my breath away", donde al final los personajes de la banda se reúnen al final para su primer toma de grupo y luego desaparecen. Videos: Arcadia "Goodbye is forever", John Taylor "Take it easy".
Alan Arkush: Director de cine y tv, con tendencias hacia la comedia. Videos: Bette Midler "Beast of burden"
Steve Barron: En muchos de sus videos yuxtapone el mundo creado en el filme y el mundo real. En el video de A-HA "take on me" vemos como una mujer dibujante de tiras cómicas se queda dormida sobre sus dibujos y sueña que cobran vida y en el video el mundo real y el animado. Después une ambos mundos cuando el personaje principal de la tira cómica se vuelve un hombre real. Otro ejemplo dado es el video "Don’t you want me baby" de Human League donde vemos a la banda actuar en un filme y luego se ven a sí mismos en escenas del filme. Algunos videos: Bryan Adams "Cuts like a knife", "Heaven", "Summer of 69"; Dire Straits "money for nothing"; Toto "África", "Roseanna"; Madonna "Borderline", "burning up"; Culture Club "It’s a miracle".
Patricia Birch: Prolífica coreógrafa. Directora de la subestimada cinta Vaselina 2 que muestra su tremendo estilo visual. Cindy Lauper "Money changes everything".
Peter Cristopherson: Tiende a usar inusuales técnicas fotográficas. Sus videos por lo general muestra cierta moraleja. Yes "Owner of a lonely heart", ELO "So serious".
Nigel Dick: Prolífico director que sigue realizando videos en nuestros días. Sus primeros trabajos curiosamente tiene tintes colectivos, de ayuda. Dick realizó el video de Band Aid, para ayudar el tratamiento de la plaga etiopí. Hoy en día sus videos tienden a mostrar al protagonista (artista por lo general) en posiciones superiores u ominisapientes dentro de la historia. En el video de Britney Spears "oops i did it again" la viste de reina de una civilización extraterrestre que entallada en un catsuit de cuero rojo recibe al astronauta que explora su mundo. En "believe" de Cher, ésta como la conciencia de la chica del video le dice cómo olvidar al que no la ama mientras vemos a Cher en una cápsula como un holograma reproduciéndose y siendo admirado por un grupo de jóvenes que bailan a su ritmo y luego como una entidad que guía a la chica. Precioso trabajo realiza en le video de Oasis "Wonderwall", donde de una manera beatleaesca muestra en ciertos momentos los cuatro miembros de la banda. Filmada en blanco y negro colorea a mano el negativo con tonos azules y amarillos que resaltan la melancolía de la canción. Otros videos: Tears for fears "everybody wants to rule the wolrd"; Band Aid "do they know it’s christmas", The ofspring "gone away".
Rudi Dolezal y Hannes Rossacher: responsables por los videos del alemán Falco que con "Rock me Amadeus" logró impactar al mundo. Otros videos: Queen "I’m going slightly mad", "One vision", "The show must go on".
Kevin Godley y Lol Creme: Aparte de músicos, este dúo realizó numerosos videos entre ellos, un experimento fotográfico con disolvencias en su video "Cry", que ha sido considerado por la cadena Mtv como uno de los cien mejores videos en la historia de Mtv. Otros: Police "wrapped around your finger", Frankie goes to hollywood "Two tribes", Yes "90125", Huey Lewis "hip to be square", Duran Duran "View to a kill". Kevin Godley ha dirigido videos para Blur como "girls and boys", Sting "fields of gold", U2 "The sweetest thing" entre otros y sigue trabajando hasta la fecha.
Wayne Isham: prolífico director que comenzó y sigue con la tendencia de versar la mayoría de us trabajo sobre la vida adolescente, con un énfasis en la rebelión y lo curioso. Su gusto por el uso de efectos especiales es básico en los videos que realiza. Dedicado principalmente a realzar la belleza del intérprete invierte altos presupuetsos en sus producciones. Videos: Judas priest "Locked in", N’Sync "bye, bye", "it’s gonna be me"; Metallica "Dissapear"; Ricky Martin "She bangs", "livin’ la vida loca".
Stephen R. Johnson: animador, realizó muchos de los promos de los 80’s para Mtv. Creador del video de animación por excelencia "Sledgehammer" de Peter Gabriel. Videos: Talking heads "road to nowhere", Peter Gabriel "sledgehammer", "big time", "steam".
Simon Milne: Filmó probablemente el video de Duarn Duran "The union of the snake" que muestra al protagonista descender a una ciudad subterránea bajo el desierto. Reminiscente de la historia de H.P. Lovecraft "la ciudad sin nombre". También hizo "too shy" para la banda Kajagoogoo.
Russel Mulcahy : excelente realizador responsable por el primer video que emitió el canal Mtv, "video kill the radio star" del grupo the buggles. Este clip cuenta la historia de una niña que sueña con ser una cantante de ópera y encajó perfectamente para ser el listón inaugural de esta cadena. También hizo el video long form de Duran Duran "arena" basado en el antagonista de la película Barbarella. Otros: Spandau Ballet "true", Fleetwood Mac "Gypsy", Culture Club "The war song", Duran Duran "Rio", "hungry like the wolf". En su filmografía está la película de ciencia ficción "Highlander, el inmortal".
Tim Pope: videasta de cabecera del grupo The cure. Sus videos rayan desde lo infantil hasta lo experimental. Su visión oscura y minimalista lo ha llevado a realizar gran cantidad de videos. Director de la cinta "El cuervo 2: ciudad de ángeles". Otros: Neil Young "Wondering2, B52’s "Do you want to hold me", Bryan Ferry "Help me", Talk talk "it’s my life".
Alex Proyas: curiosamente director de "El cuervo" la primera parte donde pereció Brandon Lee. Director del video de Crowded House "don’t dream it’s over" donde vemos a cada miembro del grupo en una habitación distinta. Aumenta el valor del video al saber que cada cuarto es un cuarto al que se les prohibía la entrada de niños.
Julien Temple: director de uno de los musicales hechos en los Estados Unidos en 1989 "Earth girls are easy". Temple tiene una larga trayectoria tanto como videasta como documentalista musical. Sus videos asemejan pequeñas películas, al ser filmadas en locaciones como cintas narractivas. No tiende mucho a la experimentación o abstracción como otros, ni a la animación. Otros trabajos: The rolling stones "she was hot", The kinks "come dancing", Stray cats "rock this town", David Bowie "Blue jean", Sade "smooth operator", Culture Club "do you really want to hurt me?".
Kevin Kerslake: Realizador cuyo nombre va de la mano con la banda de Seattle Nirvana. Series de imágenes granulosas e imágenes del grupo de unen en varios de sus videos. Tiende a crear espacios que no son del todo claros o situados dentro de un contexto físico bien definido. Videos: Nirvana "come as you are".
Samuel Bayer: Responsable de "Smells like teen spirit" de Nirvana, un video de complementa la canción de manera perfecta al mostrar la anarquía en las figuras de el trío de Seattle, el público y las porristas que rompen con el estereotipo de niñas rubias. El grunge venía como corriente opuesta al rock de los 80’s lleno de hairspray y power ballads, donde el look lo era todo. Otros: Garbage "stupid girl".
6.2 La ola francesa
Para variar la tendencia que se considera más vanguardista dentro del video viene de Europa. Y dentro de esta inclinación Francia ha engendrado a numerosos directores que trabajan para artistas británicos y americanos. Los Rolling Stones, Beck y The chemical brothers ya han trabajado con Michel Gondry, al que se le acredita haber revivido el formato del video musical al imprimirle un aire fresco e innovador.
Neneh Cherry y Missy Elliot han bailado para la cámara de Jean Baptise Mondino. U2, Red Hot Chili Peppers, REM, Garbage y Alanis Morissette han usado los servicios de Stéphane Sednaoui. Janet Jackson y Method Man han sido filmados por Seb Janiak. The cranberries y Eagle Eye Cherry se han ebneficiado de las cualidades estéticas de Olivier Dahan.
Pero el suceso de los frnaceses en el área del videoclip tal vez se deba a la gran influencia que Francia tiene sobre el videoclip en sí. En la corta historia del videoclip dos de las más grandes infleuncias en el clip han sido Jean Baptise Mondino y Michel Gondry.
Gondry nació y creció en Versalles, Francia. En su haber tiene numerosos comerciales, videos musicales, cortometrajes, una pieza interactiva on line, collages, etc. Considerado un genio por muchos desde colaboradores como Yuka Honda (del grupo Cibo Matto), Georges Bermann y Björk hasta colegas como Spike Jonze, Joseph Kahn y Roman Coppola.
Su carrera tomó un rumbo inesperado cuando Björk después de ver los videos de Gondry para su banda Oui Oui lo contrató para realizar lo que sería el video de su primer sencillo de su album debut. Así "human behavior" se convirtió en un éxito inmediato y aumentó el interés de la gente hacia Gondry y hacia la industria del videoclip en 1993. Este maravilloso filme animado que muestra elementos de cuentos infantiles. Podemos confirmar esto. Gondry probablemente ha puesto al video pop al nivel de arte real. Hay más invención, inteligencia, poesía, emoción y generosidad en cada de sus videos que en el 95% de los actuales largometrajes. Bachelorette de Björk, Around the world de Daft Punk son gemas, llenas del tema de la infancia, constantemente invirtiendo hechos y ficción, inyectando una rara fe creciente en el gesto artístico.
En Francia la cantidad de casas productoras ha ido incrementando en los últimos cuatro años de ser tres a alrededor de veinte. Junto con las casas pioneras como Midi Minuit o Bandits, co-fundada en 1989 por Mondino, la sangre nueva es representada en compañías como Ninety Nine , co-fundada por Seb Janiak, que se dedica ha realizar videos "black", como ellos le llaman a los de hip-hop, house, rap, etc.
En cuanto a presupuesto a diferencia de la Gran Bretaña y los Estados Unidos, los videos franceses que cuentan con un presupuesto aproximado entre 300,000 y 500,000 francos, se benefician de fondos públicos. Además de que la distribución en Francia no es gratuita y oscila entre los 1700 francos o 260 euros para el canal privado M6, y entre 700 francos o 107 euros para MCM; El centro Cinematográfico Nacional (CNC) gasta un aproximado de 6 millones de francos al año en distribución como un "subsidio de calidad", que va desde los 70,000 francos = 10, 670 euros por video, dados por un comité a videos que ya están producidos.
Otra gran diferencia entre los Estados Unidos y Francia es la formación de los directores: mientras que en América la mayoría de los directores estadounidenses viene de escuelas de cine, en Europa la mayoría de los directores proviene de escuelas de arte, fotografía y diseño gráfico o son líricos. Es esta difernecia la que permite que los europeos tengan una perspectiva del videoclip más fresca e inventiva que los norteamericanos.
En los últimos cinco años los videos musicales han evolucionado convirtiéndose en únicas fromas de expresión artística. Directores como Gondry, Sednaoui, experimentados creadores como Nigel Dick, Julien Temple e innovadores como David Fincher y Alex Proyas dominana los espacios en el círculo videomusical y junto con una nueva generación de directores trabajan sentando las bases para el que será el videoclip del mañana.
6.2 La nueva generación de directores
La diversidad enriquece al ambiente y la industria videomusical. Numerosas imágenes invaden la pantalla: desde ver a Missy "Misdemeanor" Elliot, compositora de R and B y representante del hip-hop, vestida en cuero negro e inflada como llanta flotando en un set metálico hasta un cuarto en movimiento donde Jay, líder del grupo Jamiroquai, baila sin cesar y admirar como unas frágiles imágenes de un cuerpo mutilado embellecen la pantalla.
Fragmentos de la cultura pop atacan nuestros entidos. Como el videoclip musical sólo tiene la vida comercial que tiene el sencillo en promoción y su posición en las listas de popularidad, muchos videos buscan conectarse rápidamente con los televidentes por medio de la cultura fílmica y popular.
Spike Jonze: norteamericano, fotógrafo y editor para varias revistas como Dirt y director de la aclamada cinta "being John Malkovich". Creador de varios clips para grupos como Fastboy Slim y The Beastie Boys, para los cuales creó el ya mítico clip "sabotage" que se ha convertido en un clásico por su clara referencia a los programas televisivos de policías de los 70’s con un toque sarcástico.
Jonas Akerlund: director europeo que se hizo famosos por el video que realizó para la canción de Madonna "Ray of light" que le valió un Mtv video award y el reconocimiento del público. Este provocativo director busca siempre dar algo de qué hablar. Desde el escándalo de "my favorite game" de los cardigans donde Nina, la vocalista estelariza el clip conduciendo despreocupada y peligrosamente un auto en sentido contrario y a toda velocidad lo que limitó su distribución en el Reino Unido, hasta los sutiles y escandalosos semidesnudos de "i wish i could fly" de Roxette, seguido del stripclub donde Madonna junto con le británico Ali G. beben y tocan mujeres en poca ropa mientras la famosa artista disimula sus ya notables meses de embarazo. Su estilo visual y controvertido lo han vuelto un consentido en la industria.
Hype Williams: Creció en Queens, Nueva York con deseos de ser pintor. Creador de un estilo único se ha hecho famoso por la creación de estilizados clips para artistas hip-hop y rap. Con luces y colores viste a sus artistas como verdaderas estrellas y los rodea de bailarinas vestidas en colores metálicos mientras las luces llenas de colores la pantalla. Su reconocimiento es tanto que en uno de sus más recientes videos inicia con la frase en letras mayúsculas: HYPE WILLIAMS Presents. "Ex-girlfriend" de No doubt es este clip donde Hype reitera su estilo y presenta su nombre en tal tamaño antes de su trabajo.
Paul Hunter: comenzó su carrera como fotógrafo pero luego se interesó en el filme después de visitar un set de filmación. Su estética fotográfica le han ayudado a crear joyas como el video de D’Angelo "untitled", donde éste es rodeado por la cámara que muestra todo el sentir de la canción en su rostro y torso desnudo.
Mark Romanek: prolífico director que ha trbajado con numerosos artistas desde Michael Jackson hasta Nine Inch Nails, sus videos atrapan la vista e incitan la imaginación.
Dom and Nick: dúo de directores que realizan videos para grupos como Smashing Pumpiks "Ava Adore" y Supergrass "alright".
Jonathan Glazer: británico, creador de joyas como "karma police" de radiohead. Busca una nueva perspectiva dentro del video y considera a muchos videoclips como rubbish o basura.
Fioria Sigismondi: Directora de obscuros e interesantes clips que muestran la maldad dentro de la inocencia y la belleza que viene con ella. Desde "the beautiful people" de Marilyn Manson hasta la oscura referencia de Ziggy stardust en el video de Bowie "little wonder" Fioria muestra su habilidad fotográfica y su estilo único de edición donde parece cortar cuadros para simular movimientos cortantes y un tanto extraños.
David Fincher: proclamado director de cintas como seven y Fight club. Ha dirigido videos para Paula Abdul, Aerosmith "janie’s got a gun", Billy Idol "craddle of love" y varios de Madonna como el mítico "Vogue".
Alex Proyas: nacido en 1965 en Egipto. Proyas es mejor conocido como el director de "el cuervo". Y el creador del video "don’t dream it’s over " del grupo the crowded house y otros videos para INXS. Fundador de la compañía Meaningful Eye Contact creada en 1984 con Peter Miller y Sean Callinan.
Anton Corbjin: Director holandés residente en Londres. Comenzó como fotógrafo de rock logrando maravillosas e inolvidables fotos de grupos post punk de finales de los 70’s como Joy Division y Magazine. Al principio trabajó para la revista musical británica NME hasta 1985. Junto con Gondry han llegado a establecer un nuevo parámetro en la industria del videclip. Director de numerosos clips, alrededor de 60, los cuales comenzó a hacer a partir de 1985. Ha colaborado con U2, Captain Beefheart -del cual un documental para la BBC Titulado "Some YO-YO stuff, a Film about Don Van Vliet"- Nirvana, Front 242, Henry Rollins, Metallica, Johnny Cash, Nick Cave, Joy Division, Red Hot Chili Peppers, Art of noise y 17 para Depeche Mode, que lo consideran parte de su familia.
Anton Corbjin ha diseñado la escenografía del los tours mundiales de Depeche Mode de 1993/94 y 1998. Ha recibido numerosos premios entre ellos un Mtv award por el video de Nirvana Heart Shaped Box. Ha publicado cuatro libros fotográficos: FAMOUZ en 1989, ALLEGRO en 1991, STAR TRAK en 1996 y 33 STILL LIVES en 1999. Este director ha diseñado el arte gráfico de los CD’s de Captain Beefheart, Fine Young Canniballs, Madness, Joe Jakson, Bryan Adams, Rainbirds, Steely Dan, Theraphy?, Skunk Anansie y U2 entre muchos más. Las inolvidables cubiertas y fotos de los álbumes de U2: Unforgettable fire, The Joshua Tree, Achtung Baby, Pop y All that you can leave behind, son obra de este artista.

CAPÍTULO VII

EL VIDEOCLIP EN MÉXICO

La gran influencia que ejerce la cultura norteamericana en México es innegable. Desde el surgimiento de los soundies estadounidenses, descendientes del scopitone, y el boom de los filmes musicales de los 60’s y 70’s, la manera de promocionar a los artistas ha sido imitada siguiendo los estándares norteamericanos de la época. Estados Unidos funcionó como un puente entre Europa y México. En los 80’s con la creciente popularidad del videoclip naturalmente el gran monopolio Televisa se dió cuenta del potencial e inició su explotación de manera exitosa contando con toda la infraestructura necesaria para producirlos y promocionarlos.
Televisa creó entonces lo que se conocería como el programa "Videoéxitos" que se emitió por primera ocasión en el mes de septiembre de 1984 con media hora de programación, una vez por semana. Videoéxitos surge por la necesidad que se dió en le mercado de "ver" al artista. Al inicio, por la escasez de material no se hizo una selección. Con sólo 32 clips, entre los cuales se encontraban grabaciones de presentaciones en vivo comenzaron a trabajar.
Al principío las compañías disqueras no influían en la creación de videos ni en la programación, sólo la televisora. Y los encargados de esto eran el Sr. Raúl Velasco y el Sr. Luis García Leal, director de Videoéxitos.
Pero a final de cuentas es la disquera quien patrocina el videoclip y por ello tarde que temprano serían ellas las que tendrían poder de decisión sobre el director y el video a realizarse.
Aquí en México los inicios del videoclip se dieron con el apoyo de los grandes del monopolio Televisa, Raúl Velasco y Luis del Llano, ellos dentro Promovisión -al cual pertenecía Siempre en Domingo-abrieron una compañía que se dedicada a hacer videoclips con presupuestos alrededor de quinientos mil pesos, se ponía la cámara, el cantante en la esquina, se le grababa cantando y eso era el clip. Promovisión tenía demasiado trabajo y comenzaron a conectarse con productoras jóvenes de comerciales y cine independiente.
En los 80’s el mercado mexicano estaba segmentado en dos partes: uno que quería videos de calidad y otro que sólo quería un clip barato -el grupo Televisa-. Precisamente fue el grupo Televisa el que comenzó a manufacturar los clips como si fuesen "salchichas".
Julio Agüera, director de la compañía Cine Magic, fue otros de los pioneros que produjo videos para ritmo peligroso y Kenyy y los eléctricos. Al principio la difusión del video se daba por medio de la disquera que se ponía en contacto con gente de Televisa, que introducían los videos sobretodo en las noches.
Uno de los directores más famosos y prolíficos de los 80’s y en la actualidad es Pedro Torres.
7.1 Pedro Torres
Pedro Torres Castilla realizó sus estudios profesionales en la Universidad Anáhuac del Distrito Federal de la República Mexicana, en donde obtuvo la Licenciatura en Ciencias de la Comunicación Social, al término de ésta realizaó estudios cinematográficos en The London Film School y varios postgrados en corrección de color en Eclair Laboratories de País; The rockport Photography Workshop en Rockport, EE.UU.
Dentro de su experiencia profesional destacan la fundación de Cine Imagen S.A. de C.V. en 1978, ahora llamada grupo PTA, realizando trabajos como productor, director y fotógrafo en importantes campañas para compañías como Volkswagen, Casa Pedro Domecq, Coca Cola, Nissan, Ford, Nestle, Banamex, Budweiser, Gm Kodak, entre otras.
En más de 25 años de carrera ha realizado más de 2,500 comerciales y decenas de videoclips de artistas como: Luis Miguel, Emmanuel, José José, Paulina Rubio y Flans, entre otros. Por estos proyectos ha recibido algunos premios como el OMNI, HERALDO, ERES, Círculo de oro, Águila Dorada y CLIO USA.
Pedro Torres también ha realizado como productor, director y fotógrafo más de 25 documentales y ha colaborado en la realización de dos largometrajes: Pedro y El capitán y Nuestro Juramento, como productor y director de fotografía respectivamente.
7.2 Los realizadores latinoamericanos de nuestro tiempo
Ahora, 10 años después la industria tiene más opciones y más directores. Entre los cuales podemos nombrar a los siguientes:
Jorge Aguilera: ha realizado clips para azul violeta "volveré a empezar", Sasha "serás el aire" y "ya no te extraño" y el clásico "Gimme the power" de Molotov, entre otros para El Tri, Café Tacuba, etc.
Fernando Eimbcke: fundador de Eimcke producciones, ha realizado videos para La Gusana Ciega "no quiero verte", Plastilina Nosh "Mr. P Mosh", El gran silencio "Dormir soñando", Jumbo "siento que", Titán "corazón", entre otros.
Piña Malibú: dupla femenina encargada de realizar el video "No me tientes" de la Gusana Ciega, lo que las colocó en el gusto del público y logró que la gusana llamara la atención. La animación de dos muñecos barbie representando el espíritu de la canción es simplemente pegajosa. También responsables de "viaje estelar del mismo grupo.
Ángel Flores Torres: acaba de terminar su primer largometraje titulado "piedras verdes". Ha dirigido numerosos videos para grupos como Caifanes "Nubes", "no dejes que"; La lupita "Paquita Disco", el inolvidable "chilanga banda" de Café Tacuba, El tri con "nostalgia" y "virgen morena" entre otros.
Calabazitaz tiernaz: dupla formada por Leopoldo y Everardo Gout. fundadores de Calabazitaz tiernaz Film and Video Production en la ciudad de México. Considerados artistas en su campo, Leopoldo titulado en Fine Arts por el colegio de arte y diseño de Londres, Inglaterra. Han estado involucrados en varias colaboraciones artísticas experimentales exhibidas en México, Inlgaterra, California y Nueva York. Han realizado videos para Maldita vecindad "El cocodrilo" y varios grupos. Su estilo cómico, violento, sarcástico y étnico atrajeron la atención del grupo londinense Morcheeba con el cual colaboraron en el video "be yourself".
Gustavo Garzón: mejor conocido por ser el colaborador de Beto Cuevas, vocalista del grupo chileno La Ley, en la realización de sus videos. Han realizado juntos "Aquí" y "Fuera de mí", entre otros. Garzón ha colaborado con artistas como Maná a los cuales ha realizado videos para sus canciones "Te lloré un río", "déjame entrar", "no ha parado de llover" y más. También ha trabajado con Shakira, Thalía, Ricky Martin, Carlos Ponce, Julio Iglesias, Millie, Ely Guerra entre otros.
Felipe Gómez: famoso por sus trabajos "voto latino", "Cerdo", "Parásito", "El carnal de las estrellas" de Molotov.
7.3 La situación actual (2000)
En México todavía existen algunos ejecutivos que compañías discográficas que no creen en el videoclip como medio de promoción y lo ven como un artículo para satisfacer el ego del artista.
Con el reciente auge de los canales de música la situación está cambiando. Con el nacimiento de Mtv Latino el 1ero de octubre de 1993 la exposición de los artistas pantalla se ha convertido en un elemento básico en la promoción de un grupo. Otros canales han surgido como Telehit - de grupo Televisa- que contrarestaba la tendencia que existía hasta hace poco en Mtv Latino, donde sólo ciertos grupos de habla hispana eran exhibidos, por lo general grupos de rock o alternativo, y los videos pop iban directamente a Telehit.
H, Ritmo Latino y demás han ayudado a fomentar el nacimiento de videos. Incluso grupos de música norteña y bandas recurren al video -aunque con menor presupuesto y con miras de "sólo promoción", sin aportar nada al género- y lo exhiben el programas creados para ello. Por su baja difusión y presupuesto, ni hablar de falta de aspiraciones artísticas, los videos de estos grupos generalmente los realizan conocidos del grupo, familiares, amigos, etc.
Victor Zavala Kugler, de Background Productions México, a través de una entrevista vía mail el 29 de septiembre del 2000, nos comparte lo siguiente: El principal medio de promoción en México sigue siendo la radio. Las compañías siguen dando gratificaciones y ostentosos regalos a las radiofusoras para que toquen repetidamente alguna canción hasta que se convierta en un éxito. El nombre que se le da a este tipo de soborno en la industria musical es "payola". En México, la industria del disco sigue siendo hoy por hoy pequeña comparada a la Norteamericana. Por consecuencia el presupuesto para la realización de Discos incluyendo su difusión son equivalentes a las ventas. Es decir, en México se vende poco por lo que se invierte poco en publicidad (videoclips). Los artistas latinos consolidados internacionalmente (Shakira, Luis Miguel, Ricky Martin) son lanzados desde EE.UU. -Miami- con una gran estrategia de mercadotecnia. Por eso sus videos son más impresionantes y generalmente cuestan 10 veces más presupuesto que los videoclips hechos en México.
El costo promedio de un buen videoclip en México es de USD $30,000. A los grupos pop nuevos, la disquera les da de USD $10, 000 a USD $15,000 de presupuesto. El tiempo de rodaje de un video en México es de un día tan solo, porque generalmente no alcanza para más. A menos que se trate de un artista importante que tenga más presupuesto para el mismo.

Podemos decir que en México la tendencia de los directores es variada, no todos viene de escuelas de cine, pero la mayoría han tomado cursos en el extranjero de arte y cine, lo que nos demuestra la falta de recursos educativos en esta área. Pero gracias a estas variadas tendencias tenemos diversidad y un gran camino que recorrer. Esperemos que dentro de 10 años se llegue a conformar en México una auténtica y sólida industria del videoclip, las bases ya están sentadas, ahora falta presupuesto y confianza.
CAPÍTULO VIII

EL VIDEOCLIP COMO HERRAMIENTA DE COMERCIALIZACIÓN

El negocio del espectáculo es una estructura sólida que se vale de dsitintos medios para promocionar música, artistas e intérpretes con el objetivo de vender álbumes.
Después de que un artista o grupo ha firmado un contrato con una disquera, ésta es la encargada de proveerle con las herramientas necesarias para que se le dé a conocer a las masas.
El principal medio de promoción para generar venta de discos sigue siendo la radio. Las compañías discográficas dan gratificaciones y regalos a las radiofusoras para que toquen repetidamente una canción hasta que por familiarización ésta se convierta en un éxito, a esto en la industria musical se le denomina "payola", lo que en México es ilegal.
La disquera busca entonces el uso del video para dar a conocer el sencillo. Si el artista es reconocido él tiene la libertad de proponer a un director para que realice su clip. Si no es así, la disquera puede contactarse con un determinado director o casa productora que le proveerá de un director al que se le mandará una copia de la grabación de audio para que la escuche y después se reunirá con gente de la disquera y el artista para hablar acerca del video, las ideas y horarios.
A este director se le da un presupuesto sobre el cual debe trabajar. En México la industria del dico es pequeña comparada con los Estados Unidos y Europa. Como aquí se vende poco, se invierte poco en videoclips. Sólo algunos artistas, que están consolidados internacionalmente, son lanzados desde EE.UU. con una gran estrategia mercadotécnica por lo que sus videos cuentan con diez veces más presupuesto que los clips mexicanos cuyo costo promedio es de $30, 000 USD. A los grupos pop nuevos la disquera les da de USD $10,000 a USD $15,000 de presupuesto.
8.1 Cronología de los inicios de la publicidad televisiva
1945.- En la junta regional de la Asociación Americana de Agencias Publicitarias el co-fundador de la Foote Cone & Belding, Emerson Foote instó a las agencias a comenzar los trabajos preliminares de la publicidad televisiva.
En Mayo las estaciones de televisión comerciales, o de aire, se ponen en disposición en Nueva York, Chicago, Philadelphia y Schenectady, N.Y. Un directivo de la agencia Campbell Ewald en mayo insta a las agencias a prepararse para el video como un nuevo medio publicitario.
Cerca de fin de octubre, la tienda departamental Gimbel en Filadelfía sostiene la primera demostración telelvisiva a gran escala en años. Ma´s de 25,000 personas viajan para tener la oportunidad de ver los programas de la NBC desde Nueva York.
La CBS comienza un Instituto de Investigación de Audiencia Televisiva, invitando a los publicista a avalarse del personal de la cadena televisiva para crear y pre-examinar nuevas técnicas de video comercial como comprobar sus resultados en la programación televisiva real.
1946.- NBC y Gillete organizan lo que se conoce como la más grande extravaganza deportiva, la pelea de Joe Louis contra Billy Conn en el estadio de los Yankees en junio.
En octubre la Television Broadcasters Association declara "la televisión está preparada para proceder en una amplia base comercial" y que la nueva industria va en buen camino para convertirse en la más importante de la nación.
1948.- Surge el show de Ed Sullivan, (originalmente "Toast of town") en junio. Patrocinado por Lincoln-Mercury el show se convierte en un éxito y uno de los programas más duraderos de la televisión hasta 1971.
Los publicistas aceptan el medio: durante el año, 933 patrocinadores comprar tiempo televisivo, un aumento de 515% sobre 1947.
1949.- El departamento de comercio de los Estados Unidos confirma el poder de ventas de la televisión en mayo: "la combinación televisiva de fotos en movimiento, sonido y rapidez produce un impacto que extiende la televisión como medio publicitario al ramo de la solicitación personal de ventas".
Betty Furness comienza a realizar comerciales de refrigeradores y electrodoméstico para la compañía Westinghouse, comenzando una relación que duraría más de once años y la convirtió en una de las primeras estrellas de la tv comercial.
8.2 La publicidad televisiva de los 90’s
Los precios sube estratosféricamente. La presión para establecer valor en un precio de altos precios crear nuevas formas como infomerciales y marketing de emboscada.
1991.- Las cadenas televisivas de aire y la CNN de cable proveen una extensa cobertura de la Guerra en el Golfo Pérsico, que comienza en enero. Pero los publicistas como Procter and Gamble Co., Sears, Roebuck & Co., Pizza Hut y grandes aerolíneas se rehusan a poner sus spots durante las noticias de cobertura de la guerra. NBC reporta pérdidas de $5 millones de dólares como resultado de publicidad cancelada y el costo de la cobertura.
Coca Cola promete que su patrocinio de la cobertura de las Olimpiadas de 1992 será el más grande y toma medidas para que Pepsi-Cola no embosque sus intentos de marketing. Pepsi lanza al aire spots comerciales estelarizados por el famoso jugador de Basketball Magic Johnson antes que los Juegos Olímpicos comiencen.
1992.- Los infomerciales se convierten en un medio caliente. La Asociación Nacional de Marketing de Infomerciales estima que los infomerciales generan ventas de $750 millones de dólares, más que el doble de sus ventas en 1988.
1993.- La tienda departamental Bon Marche le da un nuevo sentido a la palabra subliminal cuando saca al aire un comercial para los chocolates Frango. El comercial consiste en cuatro cuadros (cada uno con un costo de $945) y dura menos de un segundo. Al aire durante el programa "Evening Magazine" le costó al vendedor $3, 780 dólares por tiempo al aire.
1994.- La audiencia de la Copa del Mundo en 52 juegos televisados llega a 33 billones de personas. Univisión, anticipa $24 millones de dólares de ganacias de publicidad.
8.3 Los mejores comerciales del mundo
La publicidad es la mejor subsidiada forma de comunicación que existe en el mundo. Paul Rutherford, profesor de historia de la Universidad de Toronto que ha realizado un profundo estudio de los comerciales televisivos llama a la industria publicitaria "una de las más grandes concentraciones de talento creativo en el mundo"
Los comerciales televisivos son parte de la televisión moderna. El bombardeo incesante de productos que "necesitamos" es imparable. Miles de imágenes y frases pegajosas que en ocasiones insultan la inteligencia del televidente desfilan diariamente frente a nuestros ojos.
Afortunadamente existen equipos creativos en el campo internacional de publicistas de telelvisión cuyo trabajo en los últimos años ha sido reconocido como arte en un prestigioso festival en Cannes. Desde lo ingeniosos hasta lo extraño la mayoría de los ganadores son europeos donde temas como el uso del condón para promover el sexo seguro, temas que en Estados Unidos no se atreven a tocar, confronta la moralidad religiosa con humor y calma. Desde los británicos hasta los españoles, el ingenio que muestran estos creativos y videastas nos demuestran que hacer comerciales también es un arte.
Los mejores comerciales del mundo son reconocidos por varios festivales y premiaciones, como el Festival Fílmico de Publicidad de Cannes y Los British Advertising Broadcast Awards, ambos organismos reúnen a los ganadores en compilaciones que son mostradas como una película en el Museo de Artes a finales de octubre en Boston al igual que en varias salas de exhibición fílmica y museos por todo el mundo.
Esta clase de reconocimiento nos demuestra que en esta industria como en todas hay buenos realizadores que buscan cierto sentido en lo que hacen y existen otros que simplemente "cumplen" con filmar un pedazo de 30 segundos donde un producto es alabado y mostrado para su venta.
Cuando los realizadores de comerciales, especialmente los mejores, piensan en lo que hacen piensan en inspiradores videos musicales de Nike (como su campaña "I Can") o mini documentales de Rold Gold. Piensan en cosas ingeniosas como la campaña británica del refresco Tango, donde un hombre vestido en un traje de cuero negro entallado lame la pantalla del televisor de manera morbosa mientras pasan una imagen del refresco en el monitor, que cuando es descubierto por su esposa vestido en un traje negro de látex le grita "No me veas, corre!!". Esta campaña lo que logra es impactar a un público la cual se divierte con esta clase de situaciones graciosas en pantalla y por ello Tango tiene éxito entre jóvenes de 18 a 23 años que disfrutan esta clase de humor. Lo que pasa aquí es que maneja lo que se llama "image advertising", o publicidad de la imagen donde sin obligarte a que admires el producto, ni te diga sus múltiples cualidades logra el hacerte sentir bien acerca de la compañía, por lo tanto haciéndote sentir bien acerca del producto.
Los mejores ejemplos de este tipo de publicidad son tan sutiles que pareciera que no dicen nada acerca de la compañía. Sólo quieren captar la atención del televidente. "Como estrategia de ventas, esto representa una excelente táctica: hacer a los televidentes felices con la compañía al no decirles que la compañía es buena, pero al proveerles con tan buenos comerciales".
La mayoría de los comerciales premiados en Cannes y demás festivales son de origen europeo. Uno de los problemas de la publicidad norteamericana es que va dirigida a la clase media blanca y se basa por ello mostrar una versión corregida del mundo. Tiende a mostrar una población joven porque después de cierta edad las personas dejan de comprar sus identidades en el centro comercial. (Los comerciales americanos dirigidos a gente de edad tiene a usar tátcias de miedo en lugar de envidia: "no es cuán alto has llegado", dicen un comercial de John Hancock dirigido a un público de profesionales retirados y exitosos, "es cuán lejos puede tu familia caer"). En la Gran Bretaña los sujetosd e los comericales son más imperfectos y de clase trabajadora que en Estados Unidos; en Brasil, un poco más desnudos.
Los comerciales requieren también de trabajo y de un buen creativo que de la mano de un buen director logren desarrollar una ingeniosa y buena idea para convertirla en una obra de arte.

CAPÍTULO IX

EL VIDEOCLIP COMO ARTE

El videoclip musical es un arte visual, nacido del video y actualmente filmado. El videoclip toma elementos del collage al ser editado, ya que se vuelve una serie de imágenes unidas por la música.
El videoclip es un arma de dos filos, la música motiva la imaginación creando múltiples y diversas imágenes que podemos relacionar con una canción. Cuando le pones un imagen determinada es muy difícil que al escuchar la canción deslinde el tema con las imágenes predeterminadas en el clip.
Pretender que el videoclip musical es una evolución del videoarte sería de cierta manera erróneo. El videoarte no tiene una estructura como la del videoclip, pero eso no le quita que seaq una forma artística.
Raúl Avelino Durá Grimalt que ha realizado estudios acerca del área de comunicación audiovisual e imparte clases en una facultad de bellas artes en España cuya tesis doctoral versó sobre el videoclip musical por medio de una clase de entrevista vía e-mail del 4 de octubre del 2000 comenta que: el videoclip, desde sus orígenes, bebía sustancialmente de las vanguardias clásicas y conceptualmente debe muchísimo al collage.
Y del collage y sus variaciones como el montaje, que se refiere a un sola composición pictórica hecha juxtaposicionando o superimponiendo muchas ilustraciones o diseños, el videoclip se ha inspirado.